Et poum tchak ... dans mon flycase !

Un album : Da Silva - "La Distance"

2012-01-27T00:16:00.000+01:00

Date de sortie : 9 janvier 2012

Label : Pias France

Écouter « La Distance » sur Deezer

Après avoir écouté, réécouté et écouté encore La tendresse des fous, j'ai attendu patiemment que Da Silva donne à nouveau signe de vie. Et puis Les stations balnéaires a fini par voir le jour dans le paysage musical de cet automne. Un premier titre qui dévoilait un timide aperçu d'un nouvel album paru le 9 janvier dernier et qui s'intitule La Distance. Certains parleront d'un quatrième album, mais l'intéressé préfère parler d'un « nouvel » album, un nouveau projet qu'il prendra par la main pour sillonner les routes de France dès la semaine prochaine et pour lui donner un second souffle.
J'avoue avoir un intérêt grandissant pour Emmanuel Da Silva depuis quelques années. Celui que j'avais découvert à travers les battements mécaniques d'un cœur démesuré dans clip de L'indécision et posé quelque part dans mon grand flycase m'aura finalement emportée avec La Tendresse des fous qui est un des plus beaux albums de ma discothèque côté français (j'avais eu l'occasion d'en parler il y a un petit bout de temps, c'est par ici). Une plume qui se fait assez discrète dans le paysage musical français, un peu trop à mon goût, un peu à l'image de celui qui se trouve derrière elle. Ce qui me touche le plus dans la musique de l'artiste ce sont ses textes qui prennent une autre dimension une fois habilement posés sur sa voix au timbre si particulier. Da Silva a également cette aptitude à donner une couleur unique à chacun de ses albums, chaque écoute est une sorte de petit voyage musical. Mais parlons-en un peu de ce nouvel album ...

Dès l'entrée en matière on sent que quelque chose à changé, on sait que cet album sera différent. On ressent comme une sorte de renouveau, l'envie d'aller plus loin. Les Concessions est le titre qui m'a marquée dès la première écoute. Un texte comme un aveu, posé sur une mélodie entêtante que j'associerais volontiers à une route qui défilerait à toute allure, à une marche en avant. Et puis la route cesse soudain de défiler pour une parenthèse d'intimité avec La Crise. Le désordre n'a de mise que dans le décor pour cette ballade telle une déclaration poétiquement timide.
Puis l'atmosphère musicale se fait plus intense avec Le Repas. Un thème difficile, celui du couple, de la famille, d'une triste routine qui s'installe. « L'amour que tu me portais a cédé sa place à une triste tendresse qui ne laisse aucun espoir », une phrase si pleine de sens qui a su immédiatement attirer mon attention et qui résume à elle seule cette chanson qui m'a touchée. C'est pour ce genre de petites phrases si simples par leurs mots et si intenses par leur sens que j'affectionne autant Da Silva. Je me suis par contre laissée moins embarquée par Le Jeu.
La Fin du Mois aborde un thème lourd à nouveau. Les paroles sont intenses autant que la musique se fait pesante. Une sorte de lettre ouverte, un exutoire pour un trop plein d'émotion. Les mots sont prononcés au loin comme un appel sur fond de sentiments mélangés. Les relations à deux forment un sujet inépuisable, la chanson suivante peut une nouvelle fois l'illustrer. L'Escalier est un titre emprunt à la fois de détermination et de colère mais sur une musique qui laisse présager une éclaircie, comme un mauvais moment à passer pour aller mieux.
Puis vient les Les Stations Balnéaires, mon autre coup de cœur. Je vous encourage à écouter les deux versions du titre qui ont chacune une couleur différente au sens propre comme au figuré. Au moment de se prononcer il y a quelques semaines au sujet de la version qui nous interpellait le plus, le choix à été difficile. Pour ceux qui aiment associer la musique et les images je vous invite à visionner le clip. Je trouve l'image de l'autoroute et des aires de repos, fil conducteur de la chanson, vraiment très intéressante et l'arrangement nous tient en haleine d'un bout à l'autre du titre.
La Distance a un côté aérien puis il se fait soudain électronique, le tout avec une facilité presque insolente. On a l'impression que tout ça s'imbrique parfaitement avec une fluidité assez déconcertante. Le mélange des genres est permis à celui qui sait le maîtriser.
Je me suis étonnée plus d'une fois à fredonner malgré moi le refrain de Les premiers qui met en lumière les premières fois avant les suivantes. Si les claviers ont bien trouvé leur place au sein de ce nouvel album, c'est aussi le cas des percussions qui rythment à juste titre Le Petit Tambour. Puis les images défilent au ralenti, comme une sorte d'arrêt sur image avant que Le bâtiment ne s'écroule, et un battement de cœur semble rythmer innocemment cette tranche de vie qui vole en éclats.
L'album se clôture avec un titre plein de mélancolie, La Dernière Personne. J'aurais préféré terminer sur une note positive. J'aime les albums mélancoliques, je m'y retrouve assez facilement, mais j'aime quand l'éclaircie se laisse entrevoir. Da Silva a préféré laisser la porte se refermer …

Comme à chaque fois qu'un album se détache d'une manière ou d'une autre et qu'il laisse une trace plus profonde dans mon petit paysage musical, j'appréhende toujours un peu la suite. Mais je pouvais faire confiance à Da Silva. La Distance est un album intéressant avec des textes forts pour des thèmes pas toujours faciles à aborder. Mais il ose et c'est tout à son honneur puisqu'il s'en tire assez brillamment côté texte. La distance est fil conducteur éloigné des sujets rebattus cent fois. Côté musique le changement a du bon aussi. J'aime me laisser surprendre et ça a été le cas. Je ne m'attendais pas à autant de claviers et un son parfois électro qui s'inscrit finalement parfaitement bien au cœur de cet album. La Distance a trouvé sa place dans mon flycase et je vous le recommande. Maintenant j'attends de découvrir très prochainement Da Silva côté scène, ce sera une première pour moi et j'espère qu'il saura me séduire autant par sa présence qu'il a su le faire depuis quelques années à travers ses chansons.

Track list

1. Les concessions
2. La crise
3. Le repas
4. Le jeu
5. La fin du mois
6. L'escalier
7. Les stations balnéaires
8. La distance
9. Les premiers
10. Le petit tambour
11. Le bâtiment
12. La dernière personne

Singles issus de l'album : Les stations balnéaires, La crise
Le titre phare : Les stations balnéaires
Mon titre coup de cœur : Les Concessions
Ce titre a d'abord attiré mon attention par sa musique avant de me convaincre par son texte.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Un concert : [29.10.11] – Lilly Wood and the Prick (et Grand March) au Noumatrouff de Mulhouse

2011-10-30T23:49:00.001+01:00

Ça faisait un bon moment que je n'avais pas remis les pieds au Noumatrouff, ça me manquait ! (accessoirement ça fait aussi un bon moment que je n'ai pas remis les pieds par ici tiens, mea culpa) La dernière fois c'était pour un concert inoubliable pour plusieurs raisons et j'avais vraiment envie d'y refaire un tour (à l'époque la façade était encore jaune et noire, c'est dire si ça fait longtemps)

Du coup quand l'occasion s'est présentée d'aller y applaudir un groupe que j'aime énormément je n'ai pas hésité bien longtemps. J'avais déjà évoqué l'excellent album de Lilly Wood and the Prick il y a quelques semaines (Invincible Friends) en terminant avec un « si l’occasion se présente je ne manquerais pas d’aller applaudir Lilly Wood and the Prick. » (j'ai pas pour habitude de m'auto-citer, je précise quand même). J'avais déjà eu l'occasion de les voir au cours du festival Musilac cet été (très bon festival soit dit au passage). J'avais trouvé ça bien mais j'avais vraiment envie de les voir dans un autre contexte, pour eux, et le Nouma' me paraissait absolument parfait pour ça.

Je vais commencer par quelques mots sur la première partie quand même. Le groupe s'est présenté sous le nom de Grand March. Trois artistes sur scène et un trio qui fonctionne plutôt pas mal. Hélène a un timbre de voix intéressant et la ligne de basse très présente donne une bonne dynamique à l'ensemble. Les chansons se succèdent avec une grande cohérence et on sent un vrai style se dessiner petit à petit. J'ai apprécié le set que j'ai trouvé assez intéressant et agréable à écouter (j'aurais peut-être apprécié davantage si deux éléments perturbateurs avaient bien voulu la mettre en veilleuse ...)

Au tour de Lilly Wood and the Prick de monter sur scène. Je suis toujours sensible à la première chanson d'un set, à la mise en scène et au choix du titre. Quand, en plus, le groupe a un univers qui lui est propre j'aime être plongée dans celui-ci dès les premières mesures et Nili, Ben et leurs musiciens ont été à la hauteur de mes attentes. Une très jolie entrée en scène sur Invisible Friend. Ben et Nili côte à côte et un jeu de lumières parfait qui permettait de donner beaucoup d'émotion à un titre déjà intense par son texte. Un moment musical très poétique.

Le temps de retrouver un peu ses esprits et on entre directement au cœur de l'univers du duo avec les excellents Hey, it's ok et Kids. Deux chansons auxquelles j'avais particulièrement adhéré sur l'album et dont j'attendais beaucoup en live. Finalement la version scénique reste assez proche de la version de l'album mais le changement majeur c'est bien sûr la voix puissante et typée de de Nili en live accompagnée de celle de Ben et Pierre Guimard, entre autres. J'avais la chance d'avoir ce dernier sous mes yeux pendant tout le set et c'était un vrai plaisir. Je connaissais un peu l'artiste mais je n'avais jamais eu l'occasion de le voir en live et il apporte vraiment quelque chose au groupe avec une guitare entre les mains.

Water ran avait attiré mon attention à l'écoute de Invincible Friends et sur scène elle gagne encore en profondeur et en intensité. Puis les voix s'unissent à merveille sur la reprise de L.E.S. Artistes et c'est l'occasion pour nous de battre un peu la mesure. Ça tombe bien, ça me démangeait. On en profite pour bouger un peu sur l'excellent Love song qui s'achève dans un final assez explosif (le clip est super au passage, vous pouvez cliquer par là pour jeter un coup d’œil).

On se laisse facilement porter par l'univers du groupe. Sur scène ils sont bien plus nombreux que je l'avais imaginé. On retrouve, certes, Pierre Guimard à la guitare, mais aussi Mathias Fisch à la batterie, Mathieu Denon à la basse et Laura Verrechia aux chœurs (un grand merci à Nili qui a bien voulu se prêter à l'interrogation surprise). Tout ce petit monde nous fait alors le plaisir de venir sur le devant de la scène pour nous aider à scander les « somewhere to go !» de Little Johnny. Après quelques tentatives timides je crois qu'on a fini par se lâcher un peu quitte à se tromper de temps en temps.

Bien vite (trop vite) arrive le fameux Down the drain qui, même si on l'a pas mal entendu, fait quand même son petit effet. C'est toujours comme ça en fait, j'ai l'habitude de zapper allègrement les titres qu'on entend trop mais au final quand la version live arrive je suis la première à avoir le sourire. Je l'ai eu d'autant plus que la « dernière chanson » s'est avérée être My best qui est juste géniale sur scène. Tout le monde s'est lâché, en particulier Pierre que j'avais sous les yeux qui n'a pas hésité à donner de sa personne ! Une chanson particulièrement bien choisie pour clore la première partie du set.

Le groupe s'est éclipsé et a été vivement rappelé pour trois derniers titres, dont un inédit qui laisse présager de belles choses pour un album futur. Pierre, qui quelques minutes auparavant finissait à genoux, a troqué la guitare contre la flûte traversière pour un peu de douceur puis le set se termine sur Hopeless Kids que j'attendais et que j'espérais vivement entendre.

Salut final, y'a une fin à tout.

J'avais vraiment hâte de découvrir Lilly Wood and the Prick en live et j'ai passé un très bon moment. Ben et Nili forment un duo à la personnalité singulière. Le premier joue la carte de la discrétion sans pour autant s'effacer derrière la personnalité marquée de Nili. Certes, Lilly Wood and the Prick c'est un tout, mais qu'il me reste en particulier c'est cette voix, ce timbre si particulier qui m'avait tant charmée sur l'album et que j'ai retrouvé dans toute son émotion ce soir-là. Le seul petit point négatif est que j'ai trouvé ça un peu statique par contre. Dommage que Nili ne profite pas plus des moments où elle n'a pas de clavier ou de basse dans les mains (eh oui elle sait tout faire) pour bouger un peu plus sur scène et aller faire un tour de l'autre côté de celle-ci. Mais bon, ça n'enlève en rien à la qualité de la prestation scénique qui était à la hauteur de mes espérances. Il y avait une bonne communication entre le groupe et le public et j'ai vraiment trouvé ça très chouette (elle était facile celle-là, je l'avoue).

Dommage que la tournée se termine, j'aurais aimé les revoir. Mais ce n'est que partie remise puisque je l'espère un nouvel album sortira bientôt et ce sera l'occasion de repartir sur les routes pour applaudir à nouveau Lilly Wood and the Prick.

Ah et pour l'anecdote, si comme moi vous galérez à déballer vos CD fraîchement achetés (oui oui je vous jure qu'il y a encore des fous qui achètent des CD), Ben a une technique que je vais de ce pas adopter! (amis guitaristes, le médiator est votre meilleur ami, ne l'oubliez pas !).

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un concert : [12.10.11] – Brune et Brigitte au Hublot à Nancy

2011-10-15T00:22:00.003+02:00

Dans le cadre du Nancy Jazz Pulsations , le Hublot, petite salle nancéenne que j'aime assez, recevait le duo Brigitte et la chanteuse Brune. Quand j'ai acheté ma place il y a quelques semaines c'était pour voir sur scène le phénomène Brigitte qui m'avait tant emballée par son album vraiment excellent. Ce n'est qu'après que j'ai su que Brune serait de la partie également ce soir-là. Un nom qui ne m'était pas inconnu mais une artiste que je ne connaissais qu'à moitié, ça allait donc être l'occasion d'en découvrir un peu plus et surtout de voir ce que ça donne sur scène.

Même s'il faisait froid dehors, le Hublot s'est rapidement transformé en fournaise et on aspirait grandement à voir débarquer les artistes sur scène. Et puis Brune est apparue avec ses deux musiciens dans son pantalon bleu et son débardeur blanc pailleté à l'effigie de Marilyn.

Tic tac tic tac .. Malgré l'heure la demoiselle n'avait pas oublié d'amener une bonne dose d'énergie avec elle. Dans mon souvenir le style de Brune se dessinait comme quelque chose d'assez pop mais en fait c'est bien plus rock'n roll sur scène que sur l'album ! Quand Brune passe sa guitare électrique, sangle en fourrure blanche pour la touche féminine, ça balance pas mal du tout. Elle se promène avec beaucoup de légèreté dans un style musical qui lui va extrêmement bien. Je ne connaissais que très peu l'album (oui honte sur moi je sais), j'avais dû l'écouter une fois peut-être à sa sortie avant de placer Brune entre parenthèses quelques temps (seulement quelque temps car je ressors régulièrement des choses du fin fond de mon flycase).

Du coup je me suis laissée surprendre au fur et à mesure du set. La quasi-intégralité de l'album a été présenté sur scène et malgré tout j'ai presque trouvé ça trop court. Bien sûr, Brune n'a pas manqué de nous chanter les titres qui ont fait lever des têtes autour du moi avec ce fameux « ah mais je connais en fait, mais je savais pas que c'était elle ! ». On peut citer Rupture Song et Un Cheveu Blanc. Pourtant pas fan des tubes de manière générale j'accroche vraiment à Rupture Song (le clip c'est par ici si vous voulez mettre un visage sur cette voix que vous connaissez mais « vous ne saviez pas que c'était elle ») .

Aussi à l'aise derrière son clavier qu'une guitare à la main elle a su me captiver et je l'écoutais avec beaucoup d'attention. Les textes sont très bien écrits et valent la peine qu'on y regarde de plus près. J'aime beaucoup la manière dont Brune dépeint Paname à sa manière dans Paris. Son batteur (Grégory Jacques) a particulièrement attiré mon attention sur cette chanson. En même temps je pouvais difficilement faire autrement puisque de là où j'étais je pouvais presque lui piquer ses baguettes (oui bon façon de parler). Mais si je parle du batteur il faut aussi que je parle du guitariste (Valentin Montu) et son T-shirt « tête de mort » qui apportait une vraie touche rock'n roll à l'ensemble (le guitariste, pas le T-shirt). J'ai pu noter une jolie complicité entre Valentin et Brune sur scène. Dans les titres que je retiens il y Les désordres et Tout ça. Deux chansons bien punchy teintées de sonorités électro qui nous ont fait bouger un peu. Pour sa reprise, Brune a choisi Enjoy the Silence de Depeche Mode. Une reprise osée mais particulièrement réussie.

Brune m'a emmenée avec elle et m'aurait presque fait oublier que les Brigitte se préparaient au même moment. Une demoiselle pleine de surprises que je vous conseille d'aller voir sur scène parce que c'est vraiment bien et qu'en plus d'assurer elle est aussi très sympa quand on l'occasion d'échanger quelques mots avec elle. Son album intitulé simplement Brune est disponible et si vous voulez avoir un aperçu tout de suite vous pouvez même cliquer par là.

Après un long (très long (très très long))) intermède technique (problème de retour micro), les lumières s'éteignent à nouveau …

Mais ça valait le coup d'attendre ! Entrée en scène géniale pour le duo Brigitte. Je savais qu'avec ces deux là j'allais assister à un véritable show et je n'ai pas été déçue. On entre immédiatement dans leur univers avec un très chorégraphié Après Minuit. Je crois qu'après cette mise en scène j'envisagerai le titre différemment.

Et puis on découvre le duo dans une robe à paillettes très glamour qui leur permettra de jouer les divas tout au long du set. Mais c'est comme ça qu'on les aime et sur scène elles assurent le show. Les titres ne sont pas très différents dans leurs arrangements scéniques par rapport à l'album donc pas de réelle surprise. Mais quand les deux artistes les chantent en live les chansons écoutées et réécoutées prennent inévitablement une toute autre dimension. On a pu retrouver bien sûr Cœur de Chewing-gum, Au pays des Candides sans oublier Oh la la et Battez-vous.

Tout au long du concert le public n'a pas cessé de chanter, connaissant parfaitement les paroles. Ça a même eu l'air de surprendre le duo. Quand les tubes sont arrivés le public était au taquet et frappait en rythme dans les mains tout en faisant les chœurs.

Chaque chanson est mise en scène et elles n'hésitent pas à en rajouter dans le côté provoc'. Portées par un album extrêmement bon les Brigitte peuvent se permettre toutes les extravagances et côté voix elles assurent quoi qu'il arrive. Alors quand Aurélie lance « Brigitte … Nique Ta Mère ! » ce n'est pas l'indignation mais plutôt l'engouement qui est de mise. Cette reprise de NTM est absolument sublime. C'était osé mais elle l'ont fait, et c'est grâce à cette reprise que je me suis intéressée à ce duo il y a plusieurs mois. Elles ont su mettre du glamour et de la sensualité là où on ne l'attendait pas.

Les personnalités de chacune des deux artistes se dessinent immédiatement sur scène et s'opposent d'entrée de jeu. L'une extravagante et l'autre plus réservée , elles apportent chacune à sa manière une teinte différente mais complémentaire qui rend l'ensemble intéressant. Elles captent tous les regards au point qu'on en oublierait presque les musiciens qui les accompagnent (presque seulement). Sur chaque chanson apparaît une nouvelle ambiance musicale grâce à un très bon jeu de lumières et à une mise en scène inédite. On ne se lasse donc jamais et on attend la suite avec impatience. Dans mes titres coups de cœur live je retiens La vengeance d'une louve (oui parce que non seulement « Brigitte nique ta mère » mais en plus parfois « Brigitte te casse la gueule »), Ma Benz, Oh la la … bon je crois que je vais arrêter là parce que je pourrais toutes les citer. Le set s'achève sur le dansant Jesus sex symbol et puis le duo revient pour un a capella en toute intimité et une ultime reprise inattendue, Eye of the tiger de Survivor avant de sortir de scène sous les applaudissements.

Le show valait la peine d'être vu mais je regrette juste le manque d'échange entre la scène et le public. On aurait presque vu une sorte d'écran entre nous et elles. Certes elles nous ont fait chanter, participer et il y avait une bonne ambiance mais malgré la grande proximité qu'il y avait entre nous il m'a manqué ce petit quelque chose qui fait qu'un concert reste dans la mémoire.

Si vous avez aimé l'album c'est à voir absolument, vous ne serez pas déçus. Brigitte assure le show !

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album : Ornette – « Crazy »

2011-10-08T00:17:00.009+02:00

Date de sortie : 26 septembre 2011

Label : Discograph

Ecouter "Crazy" sur Deezer

Changement de programme, je n'avais pas prévu de parler de cet album mais finalement je l'aime vraiment beaucoup, alors autant en faire profiter tout le monde. Je vais peut-être commencer par faire les présentations puisque je suppose que le nom d'Ornette ne vous est pas familier et c'est bien dommage. Elle tire son pseudonyme d'Ornette Coleman, saxophoniste américain et avant de sauter le pas en solo elle se retrouvait derrière les claviers pour des artistes tels que Alain Bashung ou Peter von Poehl (eh ouais). Mademoiselle Ornette a beaucoup de talent et nous propose un premier album intitulé Crazy que je trouve vraiment bon.
J'avais découvert l'artiste en première partie de Yodelice il y a quelques mois et j'avoue que sur le coup j'avais trouvé ça bien mais ça ne m'avait pas non plus emballée à l'extrême. Et puis arrive le premier single, Crazy. Et là je me dis que c'est quand même pas mal du tout. (le clip réalisé par Vincent Prades est par là si ça intéresse quelqu'un au passage). Du coup quand l'album est arrivé j'ai pris le temps de l'écouter et j'ai accroché dès la première écoute. Ornette a son propre style et l'album s'écoute et se réécoute avec plaisir.

L'album s'ouvre tout en douceur à l'aube et si avec un peu d'imagination on arrive à entrevoir les premières lueurs du soleil à travers une fenêtre, la voix subtile d'Ornette se pose à merveille dans ce décor.
Une fois réveillé on peut enchaîner sur trois titres qui vous feront immanquablement taper du pied ou claquer des doigts (peut-être même les deux soyons fous). Phone Call d'abord, rupture amoureuse et petit à petit elle commence à perdre la tête.

Crazy ensuite, un titre que j'adore. Amour toujours, décidément la vie à deux l'inspire grandement. Une fois de plus le timbre d'Ornette est parfait, il donne de la profondeur et un vrai style.

Sur l'intégralité de l'album le piano et les claviers sont très présents, ils donnent une véritable empreinte musicale à l'ensemble, c'est justement ce qui rend cet album si intéressant.

Une très jolie chanson que j'ai écoutée presque en boucle depuis une semaine arrive ensuite, There's a man. Elle y raconte qu'il existe quelque part un homme qui l'aide à avancer, avec lequel elle n'a plus peur. Un quasi piano-voix à la fois simple et intense.

Talk about est une très jolie chanson sur le sens que prend alors la vie quand une personne qu'on aime n'en fait plus partie. Une parenthèse musicale pour faire passer un message.

Arrivent les sonorités électro-pop pour redonner un peu d'énergie à cet enchaînement tout en douceur. On dirait presque une chanson enfantine et les chœurs renforcent encore cette impression. Puis vient Bye bye baby bye bye, une chanson dont je me souvenais bien puisqu'elle nous avait fait chanter les fameux Bye bye baby bye bye encore, encore … eh oui encore. Une fois de plus sonorités électro et une basse bien présente qui donne du rythme à l'ensemble. J'aime la façon qu'a Ornette de nous balader dans des ambiances diverses et variées qui fait qu'on ne se lasse pas de l'écouter.

On change une nouvelle fois d'univers avec un rythme très latin sur Tota's Unicorn et là encore le timbre d'Ornette fait des merveilles. Mais Ornette ce n'est pas qu'un timbre, elle sait aussi groover et elle nous le montre sur Last Night.

Enfin, on commençait à l'aube, et si on prête attention au texte du dernier titre on peut dire que c'est l'aube d'une nouvelle vie.

Ornette a su me séduire avec cet album aussi coloré musicalement que l'est sa pochette. On va d'univers en univers. Le fil conducteur de l'album reste l'amour et la vie à deux, un thème qui a l'air de l'inspirer. Le mélange des sonorités est juste et met parfaitement en valeur la voix de la demoiselle.

J'imagine que se lancer en solo après avoir passé du temps aux côtés d'autres artistes n'a pas dû être facile mais Ornette s'en sort de façon toute à fait honorable, ce premier album est une réussite.

J'attends maintenant de la revoir une nouvelle fois sur scène en espérant qu'après avoir bien écouté son album j'envisagerai le live différemment. Elle a su me surprendre avec Crazy, je suis sure qu'elle peut me surprendre sur scène avec son clavier fétiche.

Tracklist

The Dawn
Phone Call
Crazy
Today is the Day
There's a Man
Talk About
Yes I Do
Bye Bye Baby Bye Bye
Tota's Unicorn
Last Night
The Lion and the Doll
Rescue Song

Single issu de l'album : Crazy
Le titre phare : Crazy

Mon titre coup de cœur : There's a man

Difficile de choisir un seul titre. Mais il y en a quand même un qui a su attirer mon attention à la première écoute, There's a Man. La mélodie est à la fois simple et touchante, comme le texte.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Un clip, une chanson : AaRON – « Tomorrow Morning » et Charlie Winston – « Hello Alone »

2011-09-30T23:14:00.000+02:00

Un clip : AaRON – Tomorrow morning

Après un deuxième album Birds in the Storm particulièrement réussi et une tournée à travers toute la France, le duo AaRON revient avec une réédition de ce dernier album. En bonus, deux versions alternatives de Inner Streets (2^nd Street et 3^rd Street), trois pistes vidéos (clips) dont un live d'Inner Street et un inédit intitulé Tomorrow Morning. Nouveau titre, nouveau clip, réalisé par Gianni Manno.

Je suis assez fan des clips d'AaRON de façon générale, souvent emprunts de poésie ou d'invitation au voyage et très bien réalisés. Si sur le premier album je retiens celui du Tunnel d'or, excellent, qui m'avait fait découvrir le duo en 2008, le deuxième album nous donne envie de grands espaces. Après Seeds of Gold et ses paysages désertiques, Tomorrow Morning nous emmène faire une sorte de tour du monde en trois minutes trente. Simon et Olivier vont de contrées en contrées sous une tente de fortune. Les paysages défilent, forêts denses ou bords de mer, les deux artistes jouent les globe trotters. Le temps défile au gré des paysages qui glissent peu à peu vers la civilisation. Les jeux de lumière sont toujours bien présents et donnent une atmosphère particulière au clip qui alterne entre jour et nuit. Chaque nouveau paysage amène avec lui son lot de détails aussi bien à l'intérieur de la tente emplie d'objets hétéroclites qu'à l'extérieur.

Côté musique, en fermant les yeux on pourrait presque entendre du Coldplay. Comme toujours chez AaRON on retrouve un rythme bien marqué et une guitare électrique qui donne la mélodie. En parlant de guitare je vois qu'Olivier emmène sa Telecaster fétiche même en pleine nature (j'avais beaucoup aimé cette guitare quand j'avais vu le groupe jouer sur scène). Le texte aborde le thème de la séparation, du besoin et du manque de l'autre. Je trouve très jolie l'image des rues qui deviennent sombre parce qu'en partant l'autre a volé la lumière (« The streets are dark, you stole their light » ) ou encore celle de la main lâchée en plein océan (« Somewhere by the sea, I have lost your hand, trying to be me »). Toujours une petite note de mélancolie propre au groupe mais elle est beaucoup moins présente que sur le premier opus au style bien marqué. En écoutant Tomorrow morning on aurait presque envie de sourire.

Ce que j'aime dans ce clip, le rythme et l'alternance jour nuit qui permet de jouer avec la lumière à travers les ombres, les faisceaux lumineux des lampes ou encore le reflet du soleil sur l'eau. J'aime aussi beaucoup le côté voyageur qui va bien au duo qui a l'habitude de sillonner les routes, certes pas vraiment avec un sac sur le dos mais peut-être dans le même état d'esprit.

Une chanson : Charlie Winston – Hello Alone

Retour d'un artiste que j'affectionne énormément, Charlie Winston. Showman exceptionnel, musicien à la vie passionnante doué d'un don incroyable pour fédérer les foules, il avait su me captiver par ses dons de performer. Il faut avoir vu l'artiste sur scène pour véritablement prendre conscience du phénomène Charlie Winston. Son premier album Hobo, vraiment très bon, collait à la perfection au personnage de dandy vagabond qu'il s'était créé au fil du temps et de ses nombreux voyages.

J'appréhendais beaucoup un nouvel opus, je me demandais comment celui qui s'était forgé un style si particulier allait pouvoir à nouveau créer la surprise. Et puis il y a quelques jours, il annonçait son retour sur la toile à travers ce titre, Hello Alone, premier extrait du nouvel opus apparaître le 21 novembre et qui s'intitulera Running Still.

Tout d'abord, à ma grande surprise, on retrouve le triangle de musiciens initial. Ben à l'harmonica, Daniel à la basse et Medi à la batterie. Je n'aurais jamais cru qu'avec le succès de son album solo, ce dernier continuerait d'accompagner monsieur Winston. Et comme on ne change pas une équipe qui gagne, Charlie ne se sépare pas de sa guitare emblématique qui doit sûrement avoir son propre passeport.

Aussi surprenant que cela pusse paraître, c'est le thème de la solitude que Charlie a choisi d'aborder en ouverture de ce nouvel album. En face à face avec lui-même il s'adresse à elle comme à une amie proche qui ne cesserait de le poursuivre. D'un côté il se sent bien avec elle, elle lui permet de se retrouver avant d'être prêt à retrouver les autres. Mais de l'autre il aimerait aussi s'en séparer, elle partage son lit depuis bien trop longtemps.

J'aime la façon dont Charlie aborde ce thème, toujours de façon imagée comme il a si bien l'habitude de le faire (souvenez-vous de My life as a duck ou encore Boxes [sublime]).

En ce qui concerne la musique maintenant, pas de changement radical de style mais pas de tiens j'ai l'impression d'avoir déjà entendu ça non plus. De toute façon, chacun des titres de Charlie Winston est unique à la fois par le texte et par les ambiances musicales qui se dégagent de chacun d'eux. Des arrangements simples et un harmonica qui se veut toujours aussi surprenant. On note également des variations mélodiques qui donnent plus de dynamisme au titre déjà bien rythmé. On retrouve un peu de cette couleur « winstonienne » découverte avec Hobo.

Un bon premier titre qui permet de retrouver notre vagabond chapeauté et sa guitare et qui laisse présager un très bon nouvel album. J'espère …

Et poum tchak dans mon flycase !

Un album : Nadéah – Venus gets even

2011-09-23T23:22:00.007+02:00

Label : Cinq7

Date de sortie : 19 septembre 2011

Ecouter "Venus gets even" sur Deezer

Cette semaine, un album plus qu'attendu, celui de l'australienne complètement déjantée répondant au nom de Nadéah. J'ai découvert la demoiselle il y a un an et demi en première partie de Charlie Winston et j'avais vraiment adoré. Je l'avais vu débarquer sur scène avec une robe très courte, des bas résille troués et une coiffure indescriptible mais qui lui allait tellement bien. Accompagnée de ses musiciens elle s'était emparée du micro et de sa guitare électrique bleu ciel, avec une énergie débordante que j'avais trouvée absolument géniale. Du coup, à la sortie, je chope un EP que j'ai le plaisir de faire signer. Cet EP a tourné régulièrement jusqu'à ce lundi, jour de sortie de Venus gets even, le premier album.

Nadéah est loin d'être une débutante, le début de son parcours artistique ne date pas d'hier. On a pu ainsi la voir chanter au sein du collectif Nouvelle Vague, mais aussi se produire sur scène en solo dans des salles parisiennes. Et les parisiens ont eu beaucoup de chance ces derniers mois puisque la demoiselle, sa guitare et ses musiciens se sont produits régulièrement dans différents endroits de la capitale pour une série de concerts sauvages auxquels j'aurais vraiment voulu assister.

Je pourrais disserter des heures sur l'artiste, son parcours musical et sa vie qui me fascinent mais revenons un peu plus longuement sur l'album. J'attendais énormément de cet opus et je suis loin d'être déçue ! Je connaissais certains titres que l'on retrouvait déjà sur l'EP, ou que j'avais découverts en live ou via le net ( oui, c'était tellement frustrant de ne pas habiter Paris qu'il a bien fallu que je compense comme je pouvais !).

C'est Odile, premier single issu de l'album (le clip c'est par ici) qui ouvre le bal. Le ton est donné, ça swingue déjà pas mal, on se croirait presque dans une sorte de cabaret. Odile c'est cette fille un peu trop dans ses pensées, qui rêve, un peu trop aussi, à son prince charmant qu'elle espère revenu avant la tombée de la nuit. Ce que j'aime sur ce titre c'est le petit grain de folie qui s'en échappe, aussi bien au niveau du texte que de la musique. Le piano en tant que tel manque beaucoup trop dans les musiques actuelles, mais il a vraiment sa place dans l'univers de Nadéah.

Suit une ballade que j'aime particulièrement, Suddenly Afternoon. Si cette chanson vous plaît je vous conseille de découvrir la version "salle de bain". Amour encore et toujours mais à travers ses mots on ne s'en lasse pas. On peut penser à une rupture amoureuse. Quelques passages du texte me plaisent particulièrement, « suddenly perfect nails seem quite useless, as I undress for no one but the shower » ou encore « suddenly all I see is your green raincoat […] and your umbrella that both of us hated to use ». Au fur et à mesure du titre on s'imagine tous ces détails.

Je parlais un peu plus haut de Charlie Winston (nouvel opus en préparation au fait, juste au passage), il se retrouve derrière un Rhodes sur Whatever lovers say que j'aime énormément. La mélodie m'a d'emblée emballée quand je l'ai entendue la première fois et c'est pour moi un titre qui se détache sur cet album et qui vaut la peine d'être entendu en live.

Retour du piano sur le titre suivant, At the moment. Ses pilules en main dans un moment de profond désespoir, son personnage finit finalement par donner sa chance à la vie.

A l'écoute de An Asylum on New Year's Eve, on se dit que seule Nadéah pouvait écrire et chanter cette chanson. Ambiance fêtes de fin d'année décalées, le tout sur un ton mystérieux. On croirait presque la voix off d'un film à la Tim Burton.

La ballade suivante m'a beaucoup surprise à la première écoute, je ne retrouvais pas la voix et le style de l'australienne. Mais malgré tout Tell me a réussi à me toucher.

On arrive à Scary Carol. Ça vous est déjà arrivé de croiser un ours polaire vert ? Non ? En même temps moi non plus. Une mise en garde sous forme de fable. Je me souviens qu'en live tout le public chantait le fameux « oops shiny lady ! » qu'elle ne manquait pas de nous faire reprendre encore et encore.

Un bien joli titre, Hurricane Katrina, assez singulier dans ses accents de douceur et de colère mêlés. Mais j'ai vraiment craqué sur Song I just wrote. Un titre dépouillé, qui met en valeur la jolie voix de Nadéah. J'aime beaucoup le pont, à la fois musicalement et textuellement.

Bizarrement, j'ai un peu plus de mal avec les deux derniers titres, en particulier avec I burned a cow-boy at the Melbourne airport. Cette chanson ne m'emporte pas autant que les autres, j'ai du mal à m'y retrouver, à m'imaginer un univers.

La dernière chanson, je l'avais découverte en live également. On se retrouve sur des thèmes assez délicats mais toujours avec une petite lueur au bout, tout n'est pas noir en ce bas monde et la demoiselle sait toujours nous le rappeler.

Si je jette un rapide coup d’œil à ce que je viens d'écrire je crois qu'il n'y a pas beaucoup de points négatifs. Venus gets even est un très bon album, comme je l'avais espéré. Quelques surprises au niveau des ballades, mais dans l'ensemble Nadéah est restée proche de l'univers décalé qu'on lui connaît. Les textes sont toujours extrêmement recherchés et très bien écrits. La jeune femme a toujours énormément d'imagination dès qu'il s'agit de s'emparer de la plume et elle sait ensuite mettre ses mots en musique avec ce style qui lui appartient à la fois fou, mystérieux mais aussi empli de douceur et d'humour.

J'ai vraiment une affection toute particulière pour la jolie australienne qui a su attirer mon attention dès les premières minutes où elle est montée sur scène. Nadéah est en tournée alors n'hésitez pas à aller l'applaudir partout en France, en ce qui me concerne je devrais attendre un peu malheureusement, mais ce ne sera que pour mieux la retrouver plus tard. Et surtout procurez-vous vite son album !

Track list

Odile
Suddenly Afternoons
Whatever Lovers Say
At The Moment
An Asylum On New Year's Eve
Tell me
Scary Carol
Hurricane Katrina
Song I just wrote
I Burned a Cow-Boy At The Melbourne Airport
Even Qudriplegics Get The Blues

Single issu de l'album : Odile

Le titre phare : Odile, Scary Carol

Mon titre coup de cœur : Whatever lovers say
Pour moi ce titre lui va parfaitement et je le trouve terriblement efficace. Une chanson qui me reste en tête depuis une semaine.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Deux clips : "Demain" et "Du monde tout autour"

2011-09-14T23:52:00.001+02:00

Bon allez, en cette période de rentrée je vous propose deux clips dans des genres différents mais qui ont su retenir mon attention.

Thomas Dutronc - Demain

Je commence avec le dernier Thomas Dutronc qui s'intitule Demain. Un petit air de vacances histoire d'adoucir un peu le retour à la bonne vieille routine. Le titre est le premier extrait d'un nouvel album à paraître le 3 octobre, Silence on tourne en rond. Petit rappel pour ceux qui débarquent, Thomas Dutronc c'est celui qui nous a rappelé il y a près de quatre ans que le jazz manouche pouvait avoir une place de choix sur nos ondes pour peu qu'on lui injecte une bonne dose de variet'. Certes, après cela on en aurait presque eu une indigestion, du jazz manouche à toutes les sauces. Mais il nous a offert un premier album, Comme un manouche sans guitare, ma foi assez intéressant dans l'ensemble, textuellement et musicalement parlant. Pour l'avoir vu en live j'avais trouvé ça bien accrocheur et j'ai passé un sympathique moment (bluffée par la première partie, Les doigts de l'Homme, et découverte de Madjo en première partie de la première partie mais ça c'est une autre histoire).

Bref, je reviens sur le clip. La Corse, encore et toujours, un endroit que l'artiste affectionne particulièrement. Du soleil, la plage, des filles, des potes. On pourrait se dire « ouais bof, présenté comme ça c'est un clip de l'été ». Mais non, pas de minettes bikini qui dansent sur une plage mais un Thomas Dutronc qui squatte les bars avec sa guitare et qui passe ses soirées avec ses amis. Côté musique il est bien loin le jazz manouche, on retombe dans la variété pure et dure même si la guitare acoustique est toujours bien présente. La mélodie est entraînante et reste bien en tête, format classique et efficace, mais c'est bien aussi des fois. Côté texte, un hymne à la vie dans son plus simple appareil, un besoin de vivre l'instant présent. Thomas nous avoue son petit côté épicurien, laissant la vie aller et venir pourvu qu'une fois le soir venu ses amis soient autour de lui pour une nuit de musique et de fête. Le texte est bien écrit, la simplicité apparente donne une bonne dynamique à l'ensemble et fait passer des idées positives. Par contre je n'aime pas du tout ce « mon dieu que j'aime le système » qui donne l'impression de se prendre les pieds dans le tapis ou de se prendre un coin de table, au choix. Mais à part ça ça roule plutôt pas mal, ça s'écoute bien et niveau visuel ça donne envie de retourner un peu en vacances. Petit clin d’œil au jazz manouche, la guitare de type Selmer qui se voit tout doucement voler la vedette par une demoiselle cordée plus folk.

Je vous laisse jeter un œil.

Louise Attaque – Du monde tout autour

C'est pas que ça commençait à manquer mais un peu quand même ! Il y a quelques jours on a pu entendre et reconnaître sur les ondes une couleur musicale qu'on a bien connue puisqu'il s'agit de celle de Louise Attaque. Ça faisait un bon moment que le groupe ne nous avait pas offert d'inédits ! Bon, pas de cris de joie, ce titre n'annonce que la sortie d'un best-of prévu pour le 24 octobre. Mais il est accompagné d'un clip que j'aime beaucoup. Je suis assez fan des clips animés qui font généralement passer beaucoup plus de choses grâce au génie de leur créateur. En l'occurrence, ici, c'est Louis Clichy qui est aux commandes (amateurs de dessin allez donc faire un tour par là http://louisclichy.blogspot.com/).

Côté texte c'est bien du Louise Attaque, on sent que Roussel est passé par là. C'est, comment dire, torturé. Mais au moins ça donne à réfléchir et quand on pose les mots sur les images on commence petit à petit à voir où on va. A cela on ajoute la musique (ben oui, sinon c'est pas drôle). Un rythme soutenu, une cadence presque militaire avec une batterie bien présente mais c'est ce qui fait que c'est tellement bien. Ça gratte aussi pas mal et le violon est toujours là lui aussi. Ça défile, ça avance à toute vitesse et le graphisme renforce cette idée de marche en avant.

Côté image et texte justement, ça demande à être revu plusieurs fois peut-être. Mon interprétation ? La multiplicité dans l'unicité. Tout au long de la vie on se nourrit des autres, ils nous construisent parfois malgré nous. Et puis à certains moments on essaye de se séparer d'eux, mais ils reviennent toujours. On sent que lorsque le personnage, emblématique de Louise Attaque, se laisse envahir par « ce monde tout autour », elle se trouve soudain douée d'une force qui lui permet d'affronter les obstacles qui sont sur son passage. Je trouve assez poétique le moment où ce personnage féminin se laisse porter par un sentiment amoureux avant de se sortir de ce tourment. Personnellement je l'aurais bien vu avancer dans l'autre sens pour aller jusqu'au bout de mon idée. Sinon, les couleurs sont parfaitement appropriées, j'aime beaucoup les teintes orangées quand l'état d'esprit du personnage change subitement.

Bref, j'adore, pour moi c'est un excellent clip et une très bonne chanson.

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un concert : 27 mai 2011 - Ycare (et Paul d'Amour)

2011-05-31T19:57:00.010+02:00

Il s'en est passé du temps depuis mon dernier post... Mais je suis bien décidée à faire revivre ce blog d'une manière ou d'une autre. Nouveau départ en quelque sorte et nouveau style, je trouvais l'ancien trop formaté. Je vais tenter une approche plus personnelle, j'espère que ça vous plaira.

Un concert : 27 mai 2011 - Ycare (et Paul d'Amour)

Pour ceux qui ont une bonne mémoire, j'avais déjà écrit sur cet artiste et son album Au bord du monde il y a quelques mois (pour les autres allez faire un tour par ici si vous voulez jouer les curieux). J'aimais beaucoup ses textes particulièrement bien écrits, son style et ses thèmes qui avaient le mérite de sortir des sentiers battus, de ces éternels « je t'aime moi non plus » qui collent un peu trop souvent aux basques des chanteurs à guitare à la française. J'attendais donc avec une impatience non ménagée son nouvel album quand Lap Dance a pointé le bout de son nez (premier single issu de Lumière Noire, nouvel album à paraître le 6 juin). Première écoute et là ...déception cruelle. Je n'aime pas, mais alors pas du tout ! Mais où est passé l'Ycare dont j'appréciais tant le style ? Envolé probablement … (passez moi le jeu de mots). Du coup j'avais décidé de boycotter les concerts, déçue.

L'artiste a fait quelques dates parisiennes à la Java et j'en avais eu des retours particulièrement positifs et des avis qui me poussaient à aller le voir malgré tout. Quand une date a fini par arriver près de chez moi je me suis dit que ça serait dommage de rater ça, qu'il ne fallait pas se fier à une première impression. Je n'avais pas particulièrement flashé sur Alison quand elle était sortie non plus et ça ne m'a pas empêchée d'aimer le reste de l'album. J'ai donc pris ma place et j'y suis allée.

Le Hublot est une petite salle de concert nancéenne assez sympathique dans son genre et le public a plutôt répondu présent vendredi soir. Une première partie que j'ai trouvée pas mal, Paul d'Amour (son Myspace). Certes c'est toujours difficile de se faire un avis en quelques chansons, mais les textes m'ont semblé bien écrits et les mélodies plutôt accrocheuses dans l'ensemble. A réécouter au calme quand j'en aurais fini avec les 250 millions de choses que j'ai à écouter avant.

Et puis c'est au tour d'Ycare d'entrer en scène avec ses musiciens. Chemise blanche boutonnée bien haut de rigueur (elle ne va pas rester longtemps boutonnée ainsi) et une entrée sur un titre plus qu'efficace, puis suit le très radiophonique Alison. Ca me ramène un bon moment en arrière du temps où j'écoutais cet album dans les couloirs de la fac (en zappant ladite chanson au passage, trop entendue). C'est avec un certain plaisir que je retrouve Ycare sur scène, ça fait plus d'un an déjà que je l'ai vu pour la première fois en live.

Le public chante et il chantera encore tout au long du set, répondant aux nombreux appels du chanteur. J'avoue, j'ai eu un petit peu de mal à me mettre dedans dès le départ, toujours ce fichu a priori qui ne me lâchait pas. Et puis il y a eu un espèce de déclic. Au bout de trois ou quatre chansons j'ai eu comme l'impression qu'Ycare commençait à se lâcher et d'un seul coup tout s'est emballé. J'ai fini par me laisser porter, je l'écoutais simplement poser ses mots sur des mélodies pour la plupart encore inconnues pour moi. Il ne chantera finalement que très peu de titres du premier album se concentrant surtout sur ceux du nouvel album, dans les bacs la semaine prochaine. C'est assez déstabilisant de ne pas connaître les titres à l'avance mais l'effet de surprise est intéressant lui aussi. Le set est en quelque sorte découpé, on retrouve des passages plus intimistes et d'autres plus rythmés. Ycare aborde des thèmes lourds et d'autres beaucoup plus légers mais toujours avec une grande subtilité que je lui envie. Bon bien sûr, on n' pas coupé à L'Etrangère qui pour le coup niveau subtilité ne fait pas dans le détail, mais sinon tout est particulièrement imagé. Ycare n'hésite pas à aborder des thèmes tels que l'absence, la mort ou encore les violences conjugales. Je sais c'est loin d'être gai, mais c'est réaliste et je trouve sa philosophie de la vie intéressante. Si d'autres se serviraient de ces chansons pour décrocher une larme dans l'œil du public, Ycare, lui, se déleste du poids qui va avec ces thèmes pour nous raconter la vie et ses travers avec ses mots à lui, et une forme d'innocence. Souvent il introduit ses chansons avec des explications et une bonne dose d'humour .

L'humour il en a aussi quand il s'agit de se lancer sur le thème du sexe. Il est temps de se séparer de quelques boutons de chemise et d'enfiler les lunettes noires. Je parlais de l'Etrangère un peu plus haut, il a décidé de nous la faire chanter en mimant les paroles ce qui s'est avéré plutôt comique (je crois que des parents qui accompagnaient leurs enfant assez jeunes ne savaient plus trop où se mettre). J'ai une affection particulière pour le Canard Rose et sa mélodie du genre disco/funk qui m'est restée dans la tête jusqu'à aujourd'hui encore (ouuuuuuuuuuh !). Et une troisième qui se nomme S.E.Ex que j'ai trouvée pas mal également. Sur cette série là on s'est pas mal éclatés, il nous a fait chanter, danser et pas mal sourire aussi. Des textes qui une fois posés sur le papier après quelques minutes de réflexion nous font dire « Ah ouais quand même ! », mais sans vulgarité aucune, c'est là le talent d'Ycare.

Puis on revient sur des thèmes un peu plus sérieux. Je retrouve un titre avec lequel j'avais eu du mal sur le premier album, Sainte Anne. Ce soir-là Ycare m'a touchée comme ça faisait longtemps que ça ne m'était pas arrivée, je crois qu'à l'avenir j'envisagerai ce titre différemment. Je retiens encore une chanson que j'ai trouvée magnifique, Une vie. Une fois de plus, la plume acérée est au rendez-vous et c'est un réel plaisir de redécouvrir cette vision de la vie qui est la sienne. Le public le rappelle pour quelques derniers titres et la boucle sera bouclée avec un retour à cette chanson qui a ouvert le concert et qui le termine en beauté.

Avec Ycare les titres s'enchaînent mais ne se ressemblent pas, mêlant mélancolie, humour et nostalgie le tout sur des mélodies et des rythmes variés encore assez guitaristiques dans l'ensemble même si on s'éloigne du guitare/voix que j'avais apprécié autrefois. En effet Ycare est désormais accompagné de musiciens avec à la basse Victor Roux, Jean Philippe Heurteaut aux claviers, Olivier Carbonell à la batterie et Laurent Lamarca et sa Telecaster de 1968 (eh oui j'ai pas oublié) à la guitare. (Merci à la personne qui est venue à mon secours pour les noms) Ce groupe donne un nouveau souffle à sa musique. Certes on perd un peu en authenticité mais c'est pour donner plus de place à l'énergie.

Alors il est temps de mettre les a priori au placard et d'aller écouter ce drôle d'oiseau empreint d'innocence qui nous dépeint la vie avec sa plume et sa guitare.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Un album : Lilly Wood and The Prick – "Invincible Friends”

2011-02-21T16:12:00.001+01:00

Label : Wagram Music/ Cinq 7

Date de sortie : 31 mai 2010

Ecouter "Invincible Friends" sur Deezer

Depuis plusieurs mois que j’entends parler un peu partout de ce groupe j’ai enfin pris le temps de me pencher sur leur album Invincible Friends. Lilly Wood and the Prick est un groupe formé à la base par Nili Hadida et Benjamin Cotto, duo rejoint un peu plus tard par Pierre Guimard. Sans cesse attirée par les univers fantastiques, je me rappelle avoir été marquée par le clip de Down the drain et ses personnages tout droit sortis d’un conte. Le hibou rouge et bleu restera d’ailleurs en quelque sorte l’emblème du groupe. Visuellement parlant ça m’intéresse déjà beaucoup, reste à m’intéresser de plus près à leur musique. Je découvre alors que le timbre typé de Nili se mêle à des chansons entre pop et folk teintées d’électro. Lilly Wood and the Prick s’est trouvé une véritable identité musicale à laquelle j’ai accroché dès la première écoute de l’album.

Si je ne devais retenir qu’une seule chanson pour définir la couleur musicale du groupe ce serait surement Hey it’s ok. Je suis absolument fan de ce titre. Rythmique et mélodie s’accordent parfaitement avec la voix de Nili. Et en parlant de rythmique j’adore la ligne de basse de (No no) Kids. No kids, no house, no life mais une bonne dose de groove. On continue avec l’incontournable Down the drain. Derrière ses airs de tube pop se cachent des paroles très dures. Le groupe choisit de parler de la violence entre deux personnes qui s’aim(ai)ent.

Deux titres plus posés ensuite, Cover my face et Prayer in C. Une sorte de prière au son de la guitare de Ben et de la flûte pour un petit moment de poésie.

La basse est à nouveau très présente sur le titre suivant, My best. C’est peut être ce qui donne cette couleur si particulière à l'album, une rythmique intéressante. Les arrangements assez épurés et habilement réalisés permettent de donner à chaque instrument l’opportunité d’attirer sur lui l’attention.

Au son de Little Johnny on se retrouve embarqué quelques instants pour un petit voyage dans l’Ouest américain et on continue la virée sur une route qui défile, une route sur laquelle avancent les Hopeless Kids. Ils avancent sans se soucier de rien et en quête de réponses aux questions qu’ils se posent. Un texte que j’affectionne particulièrement une nouvelle fois mis en valeur par le timbre de Nili qui l’interprète tel un hymne à une certaine forme de liberté.

Nili s’imagine ensuite un monde dans lequel elle se sentirait mieux, un monde où superficial tears only run down comedian’s cheek. Elle peut presque le toucher du bout des doigts. Et si Nili sait s’imaginer des mondes meilleurs elle s’imagine également un ami. Un ami qui emplit ses pensées, un ami dont elle a besoin et à qui elle ne veut pas dire au revoir. Hymn to my invisible friend se termine sur quelques mesures de Down the drain, comme un écho. Cet invisible friend vient peut-être à son secours …

L.E.S. Artistes est une reprise du groupe Santigold. On garde une base solide de l’originale mais on y ajoute une sacrée dose de Lilly Wood and the Prick et tout ça donne une reprise assez sympathique, que je préfère à l’originale.

L’album se termine sur un titre à la fois simple et efficace, This is a love song. Une chanson qui m’a donné envie de prendre ma guitare et de la chanter tout simplement.

J’ai vraiment été surprise par cet album. Je savais plus ou moins à quoi je devais m’attendre mais le groupe a su me surprendre. Invincible friends présente une grande cohérence d’ensemble et les titres s’enchaînent avec fluidité. La voix de Nili est un atout incontestable mais elle ne serait rien sans la guitare de Ben. Un duo singulier.

Le groupe a su m’embarquer et c’est sans aucune lassitude et même avec un grand intérêt que j’ai écouté et réécouté leur album pour m’en imprégner au mieux avant de venir vous en parler.

Je me suis laissée dire qu’il fallait absolument aller les découvrir sur scène. Ca tombe bien, le groupe est actuellement en tournée et je pense que si l’occasion se présente je ne manquerais pas d’aller applaudir Lilly Wood and the Prick.

Vous avez surement entendu : Down the drain, This is a love song, Hey it’s ok

Le titre phare : Down the drain

Mon titre coup de cœur : Hey it’s ok

Le titre qui ouvre l’album et quel excellent choix ! On est immédiatement saisi par l’univers du groupe. Le refrain reste dans la tête immédiatement et j’aime le pont et son clavier marqué donne de l’intensité au titre.

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album, un showcase : Sorel

2011-02-14T23:24:00.001+01:00

Un album : Sorel – S

Label : Tintamar Music

Date de sortie : 17 janvier 2011

Ecouter "S" sur Deezer

Sorel … Un nom qui évoque surement pour vous celui d'un personnage de Stendhal. Mais derrière ce pseudonyme se cache un jeune artiste qui sort son deuxième album, S. Sorel pose ses textes en français sur des mélodies accrocheuses avec une voix douce. Il évoque les sentiments humains de façon imagée et avec des mots simples. On se balade au gré des chansons qui défilent et des personnages qui s'aiment, se quittent et se souviennent des bons moments passés à deux. Je ne suis pas une adepte des chansons d'amour, mais Sorel en parle si simplement qu'il sait me conter ses histoires, sans me que je m'égare en route.

Sorel décrit en musique une partie des sentiments amoureux qui animent une vie. Bien souvent ça commence par quelques pensées vagabondes pour quelqu'un. Avec Sorry, Sorel crée un monde pour elle et lui, juste pour elle et lui. Quelques fois le simple fait de croiser celui ou celle qu'on aime tout les jours, mais qui ne le sait pas encore, nous fait sourire et une fois qu'on a osé l'aborder, c'est le début des attentes interminables sur le trottoir en se demandant si l'être aimé sera au rendez-vous. La ballade des rendez-vous manqués dévoile le côté sensible de Sorel. Un texte que j'aime beaucoup car à sa simple écoute on l'imagine compter les minutes, espérant voir se dessiner au coin de la rue la silhouette de celle qui fout le why dans sa tête. Une autre ballade mélancolique que j'affectionne, A la guerre comme à la guerre. Cette chanson raconte comment on peut être le meilleur ami, le confident, espérer plus mais rester un simple nom de plus sur la liste.

Derrière sa mélodie légère et entraînante, Chante-moi pose le thème des amours passagers. Mais il existe aussi des amours qui durent et La chanson des amants évoque cette envie d'aller plus loin en compagnie de celui ou celle qu'on aime.

Si certains amours restent, d'autres passent mais laissent leur empreinte dans nos souvenirs. Des souvenirs qu'on aimerait garder, parfois aussi des regrets. J'aime beaucoup Je me souviens qui nous plonge dans les souvenirs de Sorel, ceux de cette femme qu'il a aimé. A l'usure commencerait presque, dans sa mélodie, comme une chanson d'enfant qu'on fredonne, mais pour annoncer la fin d'une histoire. Parfois les histoires d'amour se conjuguent aussi au passé. La fin du titre à la guitare électrique et son écho pourrait donner l'impression de voir cette histoire d'amour s'éloigner petit à petit. Une histoire qui s'éloigne et une autre qui commence.

Enfin, Je reviens de loin évoque cette sensation d'avoir vécu une épreuve, reste maintenant à s'en relever …

Sorel a été pour moi une sympathique découverte en ce début d'année. S est un album simple et touchant à l'image de l'artiste qui m'a surprise par sa capacité à transmettre des émotions en live. Je me suis laissée séduire par sa voix et ses jolies histoires. Hâte de l'entendre maintenant s'essayer à d'autres thèmes, mais toujours avec sa plume qui me plaît.

Les singles issus de l'album : Je me souviens, La chanson des amants, chante-moi

Le titre phare : La chanson des amants

Mon titre coup de cœur : Je me souviens

A la première écoute de l'album il a été celui qui a le plus attiré mon attention. La musique est en parfaite adéquation avec le texte qui parle de souvenirs. Un titre tout en douceur et qui met joliment en valeur la voix de Sorel.

Un showcase : Sorel en showcase à la Fnac de Nancy [11.02.10]

J'avais découvert Sorel via la toile, et quand j'ai vu son nom apparaître dans la liste des showcases à venir ça a fait tilte. Je n'avais pas fait attention au fait que son nouvel album était sorti et je me suis empressée d'aller l'écouter. Au fil des écoutes je l'ai apprécié de plus en plus et j'attendais avec impatience de le découvrir en live.

En arrivant au forum de la Fnac je n'avais pas dans l'intention de me faire remarquer, mais c'est raté. Il faut dire que la guitare sur mon dos ne passait pas vraiment inaperçue. Je serai donc « la musicienne », mais ça me va. Sorel répète encore quand j'arrive, et je lui découvre un côté perfectionniste que j'aime assez. Il prête une grande attention aux détails. Il joue quelques accords, des morceaux de chansons et on a même le droit à un petit inédit qu'il ne jouera pas dans le set à venir, c'était pour s'entraîner. Le forum se remplit petit à petit. Les personnes présentes ont l'air de connaître l'artiste et on voit des curieux jeter un coup d'œil. Je leur aurais bien fait signe de rentrer, qu'il n'allaient pas regretter ces quelques minutes de musique. J'ai adoré la technique d'approche du chanteur : « Allez tu l'achèteras après ton DVD préféré. C'est pas Twilight au moins ? »..

Sorel passe sa guitare, accorde un peu sa belle Gibson, médiator entre les dents et commence avec J'en suis sûr. J'ai trouvé le set de l'artiste étonnamment long pour un showcase et ce n'était pas pour me déplaire, bien au contraire ! Il va enchaîner les titres, nous demandant régulièrement si on va bien et « Il est quelle heure ? » suivi de « Oh ben j'ai encore le temps non ? On va en faire une autre ».

Sorel est seul sur scène avec sa guitare. On garde le même esprit en live acoustique que sur l'album à la différence que dans cette configuration on peut apprécier davantage l'écriture des textes et se laisser porter par la jolie voix de Sorel. Je trouve toujours intéressant de découvrir les chansons des artistes en guitare-voix. Cet exercice peut s'avérer délicat mais Sorel le maîtrise très bien. Nous avons eu la chance d'entendre une bonne partie de l'album, c'était génial !

Deux titres m'ont particulièrement touchée, A la guerre comme à la guerre et Je me souviens,. Je me suis vraiment laissée gagnée par l'émotion sur ce dernier titre, en particulier sur l'envolée des refrains. Les yeux fermés, Sorel met en musique ce texte qui me parle. Il n'a pas manqué d'introduire cette chanson en évoquant son clip qui avait été censuré. Il nous confie qu'il se sent un peu comme un chanteur de rap qui ... [censuré]. Il donne presque l'impression de s'en amuser, je pense plutôt qu'il en est très surpris.

Au milieu de ces ballades aux accents mélancoliques se sont glissées des chansons un peu plus rythmées, et en particulier Chante-moi sur laquelle on s'essaye à quelques vocalises. Passent également On se croise tous les jours ou encore Sorry à laquelle j'ai particulièrement accroché.

Enfin Sorel se met à siffler puis papapalapa palalalapapa papapalalalala … le set se termine sur La chanson des amants, un titre entraînant.

Un showcase en toute simplicité, peut-être celui qui m'a le plus touchée jusque là avec une véritable envie de revoir Sorel sur scène. Une jolie plume, une jolie voix, des mélodies accrocheuses et plus subtiles et un jeune homme particulièrement gentil. Je savais que j'allais apprécier la prestation mais quand on découvre qu'en plus l'artiste mérite qu'on s'intéresse à lui, on a envie de le suivre et de le faire découvrir.

J'espère donc vous avoir donné envie d'en savoir un peu plus sur Sorel, d'aller le découvrir sur scène ou d'écouter au plus vite son album.

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album : Mademoiselle K – « Jouer dehors »

2011-02-07T22:03:00.006+01:00

Major : EMI

Label : Delabel

Date de sortie : 17 janvier 2011

Ecouter « Jouer dehors » sur Deezer

Troisième album studio pour le groupe de rock Mademoiselle K, un album intitulé Jouer dehors. Le groupe emmené par Katerine Gierak, interprète de Ca me vexe ou encore Grave, revient avec un album à son image, rock et décalé. On retrouve une nouvelle fois des textes sans méandres et des mélodies qui sortent de l’ordinaire. Mademoiselle K n’hésite pas et chante tout haut ce qu’on pense tout bas, et c’est en partie ce qui me plaît.

Ce nouvel album reste dans la lignée des précédents, sans grande surprise certes, mais avec toujours cette même envie de faire passer des messages sur des thèmes qui nous touchent de près ou de loin. On se retrouve forcément dans l’une ou l’autre des chansons de Mademoiselle K. Et même si j’ai regretté parfois d’avoir poussé le son trop fort, je n’ai pas regretté d’avoir pris le temps d’écouter cet album.

Aisément, Mademoiselle K m’embarque avec elle dans ses chansons déstructurées aux paroles bien trempées. Les coups de gueule côtoient les expressions enfantines sur des mélodies parfois façon disque rayé, guitares sonnantes et trébuchantes. Branc est une chanson destinée à tous ceux qui se prennent d’incessantes claques de la vie, et Mademoiselle K n’hésite pas à leur présenter la réalité telle qu’elle est et à les secouer un peu avec la délicatesse verbale qu’on lui connaît. Puis elle décide de jouer les Peter Pan sur Jouer Dehors. Pas envie de vieillir, pas envie de grandir, un très joli titre à la fois dans le texte et la musique, un état d’esprit qu’on est nombreux à dissimuler mais qu’elle clame le temps d’une chanson.

Mademoiselle K me balade sur ses chansons qui parlent aussi d’amour. Il en faut toujours un peu. Mais pas question de paroles à l’eau de rose. J’aime beaucoup le titre Que toi, un peu de douceur avant la frénésie du titre suivant, Vade Retro. Un nouveau coup de gueule. C’est vrai, y’en a marre de ce monde ultra-formaté et de ces gens qui ne réfléchissent plus par eux-mêmes !

Coup de cœur ensuite pour le titre Lorène Lhorizon. Une chanson pleine de poésie sur une mélodie plus soft, mais qui me touche davantage, ça passe par le clavier plus présent, sûrement … Quand Mademoiselle K sort la carte de la mélancolie ça fait également son effet.

Puis on revient quelques instants sur le thème de l’amour et Mademoiselle K s’essaye en séductrice mais avec ses mots à elle avant de chercher de l’aide auprès d’un indien Sioux qui pourrait l’aider à résoudre ses problèmes. Un titre aux sonorités uniques sur l’album.

Le titre T’es mort ? nous apprend que la règle numéro un est de toujours répondre aux appels de la chanteuse sous peine de se retrouver six pieds sous terre avant l’heure. Un message personnel ? Peut-être… Enfin l’album se termine sur un titre dont j’aime particulièrement l’arrangement, A l’infini.

Jouer dehors est pour moi un bon album rock et ça fait du bien d’y entendre une voix de femme posée sur des textes qui ne laissent pas indifférents. Certes cet album ne s’écoute pas en musique de fond, je pense qu’il faut prendre le temps de s’y intéresser pour l’apprécier. J’aime les artistes qui proposent des choses différentes et qui n’hésitent pas à s’aventurer en terre inconnue. Je ne suis pas une inconditionnelle de Mademoiselle K, mais elle a au moins le mérite de m’interpeler et de me donner envie de l’écouter. Je l’ai laissée m’emmener dans son univers et ça valait le détour. Je vous laisse tenter l’expérience !

Le single issu de l’albums : Jouer dehors

Le tire phare : Jouer dehors

Mon titre coup de cœur : Laurène Lhorizon

J’aime le côté piano-voix au début du titre, un peu en décalage avec les sonorités guitaristiques qui dominent le reste de l’album. Laurène Lhorizon est une jolie ballade. Un texte écrit avec des mots simples qui montre que Mademoiselle K peut s’aventurer dans des registres différents avec toujours cette faculté de toucher ceux qui l’écoutent.

Et poum tchak … dans mon flycase

Un showcase, un album : Valentine's Day

2011-01-30T01:26:00.000+01:00

Un showcase : Valentine's Day en showcase Fnac à Nancy [18.11.10]

Merveilleuse invention que les showcases, je vais finir par ne plus compter les belles découvertes que j'ai faites de cette façon, en toute intimité pour un petit moment musical.

Valentine's Day. J'avais découvert ce nom quelques jours auparavant et j'avais écouté vite fait quelques titres sur leur Myspace histoire de savoir si ça allait me plaire. A la première écoute je trouve que ça sonne bien et ça met ma curiosité musicale sans fin à rude épreuve. J'irais donc voir, enfin plutôt écouter.

Ma première réaction en voyant la petite scène a été « Whoua ça en fait du matos pour un showcase ! ». Quelques semaines auparavant j'écoutais Siméo sur cette même scène, en guitare-voix. Plusieurs guitares, une basse très sympa, des percussions multiples (dont un très joli udu), xylophone, et claviers en tous genres. J'ai hâte d'entendre tout ça sonner.

Le groupe monte sur « scène », Valentine au chant et au xylophone, David à la guitare (ou plutôt aux guitares), Yann à la basse et Johannes aux percus.

Intro très planante suivie d'un instrumental bien rythmé, ça s'annonce très bien. Puis Valentine s'empare du micro et là ça décolle. La jeune femme a une voix chaude et agréable et tout ça groove pas mal du tout. Sur scène tout le monde a le sourire aux lèvres et c'est communicatif. On aurait presqu'envie de se lever de sa chaise, difficile de rester assis pour certains titres.

Les chansons se suivent et ne se ressemblent pas. Un temps rythmées, un autre posées. Les ballades côtoient les morceaux plus groovy limite funky. David change régulièrement de guitare et on essaye de chanter un peu, un tout petit peu. Je me laisse emmener par la musique de ce groupe très sympathique, j’ai envie de taper dans les mains ou plutôt de claquer des doigts et mes pieds ne tiennent pas en place.

Dommage que ce petit concert touche si vite à sa fin ! Ce groupe a une couleur musicale vraiment intéressante, mêlant légèreté et rythme. J’ai survolé les chansons, je me suis promenée dans l’univers de Valentine’s day.

Je m’empresse d’aller chercher leur album, de discuter quelques instants avec les membres du groupe et de découvrir au passage un guitariste qui a laissé sa signature sur une guitare, puis je rentre chez moi écouter l’album histoire de prolonger un petit peu ce joli moment musical …

Un album : Valentine’s day – Whatever you want

Ecouter "Whatever you want" sur Deezer

J’adore l’ouverture de cet album ! On entre tout de suite dans l’ambiance avec ce premier titre teinté comme une fin de journée, lumière rasante et marche d’un pas assuré « On the road of love ». Et puis je promène au rythme des chansons qui défilent et donnent envie de bouger à l’image de Whatever you want ou encore de claquer des doigts avec Just. Plus l’album défile plus le soleil semble descendre, laissant toutefois une douce chaleur dans l’atmosphère pour une très jolie ballade. A l’écoute de Let’s go back j’ai l’impression d’être dans un bel endroit, un soir d’été, les souvenirs défilent.

Vient Lady bug, la chanson qui avait attiré mon attention au cours de la courte prestation scénique du groupe. J’avais trouvé qu’elle allait parfaitement à Valentine. Je poursuis toujours ma route jusqu’à ce titre que j’aime énormément, Jealousy, un titre qui balance et qui balance même super bien ! Une seule envie, bouger. Puis une douce mélodie arrive soudain, je ralentis un peu l’allure …

Un titre un peu différent m’interpelle, Seasons. On perd un peu en légèreté pour gagner en intensité. Un titre qui dénote par rapport au reste de l’album. Je marche toujours et le crépuscule s’affirme de plus en plus jusqu’à la nuit. Une nuit résolument groovy. Je prends le tempo et j’ai juste à me laisser porter par la musique jusqu’à ce que les guitares électriques refassent leur apparition pour deux titres, Black Star et Weak, au creux de la nuit.

Et puis le jour se lève sur un Sweet morning qui ferme l’album en douceur à la fois dans l’arrangement et dans la voix de Valentine…

Valentine’s Day a été une très jolie découverte et cet album me le rappelle à chaque fois que je l’écoute. Un album à la fois simple et authentique entre ballades poétiques et titres emplis d’énergie qui vous font taper du pied. Un subtile mélange de couleurs musicales différentes mais un même fil conducteur, la légèreté.

Je n’ai qu’une hâte maintenant, retrouver le groupe sur scène pour pouvoir les applaudir une nouvelle fois et me laisser porter par leur musique pour une nouvelle parenthèse musicale.

Le titre phare : Whatever you want

Mon titre coup de cœur : Jealousy

J’aime cette intro qui met si bien en valeur la voix de Valentine et quand le refrain fait son apparition soudain, une envie irrépressible de bouger me saisit. Un titre qui met de bonne humeur à sa simple écoute.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Un album : Yodelice – "Cardioid"

2010-12-21T23:38:00.002+01:00

Major : Universal

Label : Mercury

Sortie : 25 octobre 2010

Ecouter "Cardioid" sur Deezer

Après l'excellent Tree of life, Yodelice revient avec un deuxième album intitulé Cardioid. Mais pourquoi ce nom ? Pour plusieurs raisons. Le cardioïde est un type de micro unidirectionnel qui a une directivité vers l'avant, un peu comme le groupe qui ne cesse d'avancer et d'évoluer au fil des mois qui passent, depuis bientôt trois ans. Mais le nom rappelle aussi les débuts de Yodelice, époque où Maxime Zampieri ne faisait pas encore partie du groupe qui n'avait alors pas de batteur. A cette époque, Yodelice jouait de la grosse caisse au pied, ce qui donnait un rythme binaire, une sorte de pulsation cardiaque à ces chansons qui ont écumé les routes. Car c'est bien sur la route que s'est peu à peu dessiné ce nouvel album marqué par la scène. On quitte les ambiances intimistes de Tree of Life pour se rapprocher de ce que le groupe nous propose en live …

Ce groupe ne cessera jamais de me surprendre par leur incroyable facilité à me faire voyager dès les premières mesures. A l'écoute de Cardioid on repart une nouvelle fois direction Spookland avec parfois l'envie irrésistible de ne pas revenir de cette contrée si mystérieuse ...

Breathe in ouvre l'album et en donne immédiatement la couleur. Soleil couchant sur la contrée lointaine de Yodelice, un riff de guitare et un rythme envoûtants emmenés par le violoncelle de Sébastien Grandgambe. Puis vient le radiophonique More than meets the eye, souffle d'énergie sur des paroles subtilement connotées, une nouvelle facette du clown.

On continue ensuite avec Lady in Black. A la première écoute ce titre m'a surprise quelque peu car il est assez éloigné des sonorités que le groupe a l'habitude de nous proposer. Mais le texte de Marianne Groves me ramène immédiatement dans l'univers de Yodelice avec cette femme en noire qui marche dans les rues de Chicago. Après quelques écoutes je reprends peu à peu mes marques.

Arrive soudain l'entêtant My blood is burning, qui rappelle que cet album a été fortement influencé par la scène. Les lalala lala prennent toute leur ampleur lorsqu'ils sont scandés par un public sous le charme.

Puis vient le petit bijou de ce nouvel album, Experience. A la fois inattendu mais tout à fait à la hauteur de ce que j'attends de ce groupe. Influences presque radioheadiennes, un titre qui ne peut pas laisser indifférent. Roulement de tambour et un piano qui se veut pesant puis envoûtant. Un cri déchirant … Un titre à l'image du groupe, empreint de mystère.

Une voix féminine, celle de Simone, vient se poser sur celle de Yodelice le temps d'un duo, Five thousand nights est une valse douce, le temps semble suspendu quelques instants …

Mais le très scénique Wake me up me fait vite redescendre par son rythme marqué. Une nouvelle fois, le groupe s'inspire de ce qu'il nous propose sur scène, jusqu'au cri de Sébastien Grandgambe, incontournable et inimitable en live.

Puis j'ai l'impression de m'aventurer dans un endroit désert au soleil couchant avec la chanson suivante, Picture perfect. J'ai une affection particulière pour cette chanson, peut être pour son petit air folk.

Monkey's Evolution est le nom de la piste suivante. Le temps semble soudain s'étirer, comme si tout avançait au ralenti … puis je reprends la route pour une dernière chevauchée au rythme de la piste fantôme (Confessions). Je m'imagine (je les imagine) traversant le Far Far West de Spookland au son des guitares, en route pour de nouvelles scènes …

Cardioid est, dixit Maxim Nucci, un album qui gagne à la réécoute et je trouve que c'est effectivement le cas. La première fois on se laisse charmer, puis on découvre petit à petit chacune des facettes de ces chansons tellement uniques. Mais c'est incontestablement sur scène que ces chansons prennent soudain vie ainsi qu'une autre dimension. Si vous avez aimé cet album, alors il faut aller découvrir Maxime Zampieri, Xavier Caux, Sébastien Grandgambe et Yodelice sur scène, vous ne voudrez plus revenir de Spookland ...

Le titre phare : More than meets the eye

Single issu de l'album : More than meets the eye

Mon titre coup de cœur : une fois de plus difficile de faire un choix. Pour avoir vu le groupe sur scène plusieurs fois, mon titre coup de cœur sera Breathe in. Coup de coeur scène qui se transforme en coup de cœur studio. J'aime ce riff de guitare qui revient perpétuellement, le violoncelle qui donne une dimension si particulière à cette chanson, cette montée en puissance progressive et les différentes couleurs qui se succèdent ...

Tracklist

Breathe in
More than meets the eye
Lady in Black
My blood is burning
Experience
Five thousand nights
Wake me up
Picture perfect
Monkey's Evolution

Et poum tchak … dans mon flycase !

Nouveau ! Un album : Maroon 5 - "Hands all over"

2010-09-27T07:09:00.005+02:00

Major : A&M records

Label : Octone

Date de sortie : 20 septembre 2010

Ecouter "Hands all over" sur Deezer

Hands all over, le dernier opus du groupe californien Maroon 5 vient de sortir et se révèle être un excellent album dans la lignée des précédents. Le groupe composé d’Adam Levine au chant et à la guitare, Jesse Carmichael aux claviers, James Valentine à la guitare, Mickey Madden à la basse et Matthew Flynn à la batterie ne cesse d’évoluer musicalement au fil des albums. Leur premier album Songs about Jane se situait vraiment à mi-chemin entre le rock et la pop, It won’t be soon before long s’est révélé moins rock et plus pop et ce dernier album continue sur la lancée. Un album que j’attendais avec une grande impatience et qui s’est immédiatement révélé à la hauteur de mes attentes même si le groupe continue de me surprendre pour mon plus grand plaisir.

Hands all over, un titre intéressant et une pochette qui l’est beaucoup moins. Si musicalement parlant le groupe sait me captiver je déplore toujours le manque d’originalité du visuel des albums et la légèreté des livrets (même si celui-ci offre un cliché très touchant d'Adam). A l’époque où la musique se fait de plus en plus volatile il serait intéressant de donner un peu plus de poids à la version physique.

Oh yeah ! Le titre qui ouvre cet album s’intitule Misery et a été le premier single diffusé sur les ondes avec un clip censuré en France et en Angleterre. Que dire de ce titre sinon qu’il me rappelle un certain This Love par son incroyable efficacité. Une mélodie pop entraînante et un refrain que je fredonnais sans cesse dès la première écoute. Après trois ans d’absence je retrouvais enfin Maroon 5 avec un immense plaisir. On continue ensuite avec un deuxième titre, deuxième single, deuxième tube. Give a little more. Si le clip ne m’emballe pas du tout (quand on voit la qualité d’un clip comme celui de Wake up Call on en attend toujours plus) la chanson me plaît nettement plus. Elle est taillée pour la voix d’Adam et son timbre particulier et donne une incroyable envie de bouger. Stutter est à la hauteur des titres précédents et à ce moment là je me demande si le reste de l’album sera aussi bon que le début. Adam est à nouveau l’auteur et compositeur de l’intégralité des titres originaux avec à ses côtés Jesse, Matt, James ou encore Sam Farrar et c’est peut-être ce qui fait la force de ce groupe et l’unité de ces albums que l’on écoute d’un bout à l’autre sans décrocher.

Les titres s’enchaînent et je m’étonne de ne pas avoir encore entendu de ballade quand arrive Never gonna leave this bed. Une très bonne ballade, qui pourrait très bien sortir en single ou constituer la B.O. d’une de ces séries américaines qui cartonnent. Puis suit un titre plus groovy et on enchaîne avec l’excellent Hands all over. On retrouve un petit peu ce qu’on a pu connaître avec le premier album, des guitares plus présentes et une rythmique intéressante. Un titre très scénique.

On enchaîne avec une nouvelle ballade dans le même esprit que la précédente et là je me rends compte que plus de la moitié des titres se sont enchaînés et j’ai toujours ce même sourire aux lèvres. J’adore. Et ce n’est pas prêt de s’arrêter avec le titre suivant. Du rythme et cette voix, toujours … Sur cet album figure un duo avec Lady Antebellum intitulé Out of goodbyes. Une collaboration intéressante et surprenante mais qui ne m’a pas marquée plus que ça. Un petit peu léger pour moi.

Enfin on termine sur une reprise acoustique de Queen, Crazy little thing called love. Très proche de l’originale dans l’arrangement mais avec la voix d’Adam elle se teinte d’une couleur particulière.

Que dire de plus … Maroon 5 est un groupe que j’affectionne depuis des années maintenant et qui ne m’a jamais déçue. Il sait me surprendre à chaque fois et je ne me lasse pas d’écouter leurs albums même si Songs about Jane reste pour moi le meilleur pour son côté rock et son inoubliable This Love. Hands all over est une des très belles surprises de cette rentrée et qui pourrait par moment rappeler un certain Phil Collins qui vient lui aussi de sortir un nouvel album.

Singles issus de l'album : Misery, Give a little more

Titre phare : Misery

Mon titre coup de coeur : Give a little more

Pour moi ce titre est vraiment à l'image du groupe. Au départ je n'avais pas vraiment accroché mais au fil des écoutes il est resté comme le plus représentatif de l'album. En réalité j'aurais énormément de mal à choisir un seul titre coup de coeur sur Hands all over car pour moi cet album montre une véritable cohérence entre les titres qui apportent chacun une note particulière.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Un album : Ycare - "Au bord du monde"

2010-09-09T22:54:00.002+02:00

Major : Sony Music

Label : Jive Epic

Date de sortie : Juin 2009

Ecouter "Au bord du monde" sur Deezer

Vous avez peut-être découvert ce mystérieux artiste au pseudonyme tellement évocateur lors d’un très médiatique télécrochet il y a quelques années maintenant. Depuis, Ycare a tracé sa route et s’est lancé à corps perdu dans la musique pour nous offrir un premier album, Au Bord du Monde, très personnel. Un nouvel album est en ce moment en préparation, un album que j’attends avec impatience car le premier m’a beaucoup touchée. Ycare est un personnage qui reste pour moi assez énigmatique, je ne sais pas trop où il désire m’emmener musicalement, mais je compte bien le suivre tant que nos chemins seront les mêmes …

Ycare pour moi, c’est avant tout une plume singulière, mélancolique, parfois noire, souvent crue. J’aime beaucoup ses textes très poétiques et en particulier celui de La Colombe et le Corbeau. Pas de tabous, l’artiste ose tous les thèmes sans aucune réserve. Ainsi quand il essaye de faire chanter L’Etrangère par le public lorsqu’il joue les premières parties (Ycare a fait la première partie de Gérald De Palmas sur le début de la tournée 2010) ça passe ou ça casse. Mais il ose et c’est finalement tout à son honneur. Il ne fait que décrire la réalité, pas toujours très poétique, avec des mots qui sont les siens. L’amour est bien sûr un des principaux thèmes de cet album. Ycare parle notamment d’un amour à la limite de l’obsession avec le radiophonique Alison, mais aussi dans le très beau Aubépine ou encore avec J’y crois encore. Mais il aborde aussi le thème de la folie avec Sainte Anne, de la détresse avec Elle se dit, de la vie qui bascule avec Au bord du monde et il fait un très bel hommage à celle qui lui a donné la vie avec le titre Mama. Des textes parfois sombres, durs, qui parlent de douleur, de larmes versées, d’amours passés. Je vous l’accorde, ce n’est pas très gai.

Côté musique, c’est assez pop, limite folk. Beaucoup de guitare acoustique et des arrangements assez sobres. C’est encore dans les titres dépouillés d’arrangements qu’il est pour moi le plus intéressant. Il n’a pas une voix des plus typées, mais elle transmet beaucoup d’émotions. Cet album présente une piste additionnelle sur laquelle on retrouve une poésie posée sur quelques notes, et deux titres de l’album en version acoustique, guitare-voix, entrecoupés de quelques mots de l’artiste et d’une pointe d’humour. J’ai eu un véritable coup de cœur pour cette version acoustique d’Aupépine qui a une intensité toute différente. Une version que je trouve paradoxalement plus riche du fait de l’authenticité des mains simplement posées sur les cordes pour accompagner une voix emprunte de sincérité.

Au bord du monde est un album dont je découvre les subtilités au fil des écoutes et j’apprends à saisir les nuances du texte qui est pour moi l’élément central du disque. J’espère que le futur album saura me séduire autant par les mots que par la musique. J’ai déjà pu en découvrir quelques titres sur scène et une éclaircie semble illuminer un peu les mots durs et les thèmes mélancoliques avec quelques touches d’humour. J’attends que l’artiste me surprenne et me donne envie de poursuivre la route avec lui …

Le titre phare : Alison

Singles issus de l’album : Alison

Mon titre coup de cœur : La Colombe et le Corbeau

Dès la première écoute ce titre s’est détaché et est resté pour moi comme le plus touchant par ses mots et son style très épuré. Je retiens notamment cette image « tes yeux deviendront l’abreuvoir de mon chagrin dans ta mémoire ».

Tracklist :

1. Alison

2. J’y crois encore

3. Aubépine

4. La Colombe et le Corbeau

5. Sainte Anne

6. L’Etrangère

7. Elle se dit

8. Au bord du monde

9. Mama

10. Ycare s’invite

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Une chanson, un clip : Aozora - "Checkpoint"

2010-09-03T22:54:00.003+02:00

Aozora est un groupe de power rock français composé de Dandyman au chant, Riff-lex à la guitare, Iron Bigstick à la batterie et Redlow à la basse. Ils font partie des nombreux artistes à produire sur My Major Company et ils ont retenu mon attention par la qualité de leur musique et parce que je trouve qu’ils ont un son vraiment percutant.

Une chanson : Checkpoint

Texte : Aozora
Musique : Aozora

Checkpoint est la chanson qui m’a fait découvrir le groupe et j’ai immédiatement adoré ce titre. Quand j’ai découvert par la suite qu’Aozora n’était pas signé j’ai eu du mal à le croire.

Dès l’intro j’ai été captivée par ce riff de guitare électrique qui revient perpétuellement et qui reste en tête dès la première écoute, puis par le timbre particulier de Dandyman. A une époque où fourmillent les titres formatés, j’aime la structure particulière de la chanson. On est loin du simple enchaînement "couplet-refrain" classique et qui manque du coup cruellement d’intérêt. On commence par une sorte d’introduction prolongée, d’abord instrumentale puis chantée, histoire de capter l’attention. D’autres y entendront peut être un premier couplet, je préfère voir ça comme une manière de lancer la chanson. Cette introduction permet également de poser le riff de guitare qui tournera en boucle tout au long du titre sur les couplets. Puis la batterie fait son entrée sur cette phrase qui revient et revient encore, « All that I want is to see » et qui permet une montée en intensité avant le couplet. A la suite de celui-ci, un refrain puissant, mais pas ce genre de refrain balancé à la va-vite. Pour l’amorcer on a le droit à ce que j’aime appeler un tremplin, une montée en puissance progressive, montée en puissance qui se développe d’ailleurs dès le début du titre. On retrouve ensuite un pont instrumental et vocal, puis on enchaîne avec un nouveau couplet suivi d’un bon solo de guitare, et on termine avec un ultime couplet. Ca peut vous paraître long si vous n’avez pas encore écouté la chanson, et ça l’est. Mais on voudrait que ce soit encore plus long ! Il y a pas mal de changements de rythme, un mélange d’arrangements riches et plus légers mais avec alors une grande profondeur de son.

Et de quoi ça parle ? Une personne s’adresse à celui ou celle qui se trouve à ses côtés dans un moment délicat. Il lui confie ses doutes et lui demande de s’éloigner de lui après que celui-ci se soit retrouvé avec du sang sur les mains.

Le clip

AOZORA "Checkpoint"
envoyé par morgantaltavull. - Regardez d'autres vidéos de musique.

Réalisateur : Grégori Moro
Production : Beback Production

Le groupe nous offre un clip d’une grande qualité, tant au niveau de l’image que de la réalisation. Un clip sous forme de court métrage qui alterne des séquences de live du groupe avec d’autres où l’on suit une jeune femme. Chacun sera libre d’interpréter le clip comme il l’entend, pour ma part je vois les apparitions de Dandyman comme le reflet de ce que cette jeune femme pense, ou plutôt de la personne qui occupe ses pensées. Il lui a demandé de s’éloigner de lui, ce qu’elle fait. Mais elle n’a de cesse de penser à lui, à ce qu’il lui a dit. J’aime l’idée de laisser le groupe jouer dans l’ombre, peut être dans le but de focaliser l’attention sur l’histoire qui est en train de se dérouler tout en leur permettant d’apparaître dans le clip. Chaque membre du groupe est mis en valeur de la même manière, Dandyman jouant quand même un rôle central.

Beaucoup de groupes et d’artistes utilisent le principe de l’alternance live-histoire dans leur clip, mais ici le réalisateur du clip d’Aozora fait se rejoindre les deux et je trouve l’idée très astucieuse. Le groupe et la jeune femme qui marche ne forment alors plus qu’un, comme si les pensées de cette femme se tournaient encore d’avantage vers celui qui les occupe.

Je pense que ce clip illustre parfaitement la chanson et colle tout à fait au type de musique du groupe. Aozora n’est pas encore produit, mais pour moi le clip et leur musique est d’une qualité supérieure à certains groupes ou artistes plus médiatiques. J’espère qu’on entendra très bientôt parler d’eux.

Et poum tchak … dans mon flycase !

Nouveau ! Un album : Yannick Noah - "Frontières"

2010-09-01T15:07:00.001+02:00

Major : Sony Music

Label : Columbia

Date de sortie : 23 août 2010

Ecouter "Frontières" sur Deezer

Il s’est écoulé quatre ans depuis la sortie de Charango et de ses tubes tels que Donne moi une vie ou Destination ailleurs. Ce nouvel album de Yannick Noah intitulé Frontières était très attendu et sa sortie s’accompagne d’un concert évènement au Stade de France le 25 septembre prochain. Un pari osé, mais le chanteur peut compter sur les fans de la première et de la dernière heure pour le soutenir et lancer ce nouvel album avant une tournée à travers la France.

Des thèmes fédérateurs et du rythme, les deux éléments clés d’un album de Noah, l’interprète de La Voix des Sages, Simon Papa Tara et du mémorable Saga Africa, sont bien là. Même si c’est dans ce style qu’on l’apprécie, je regrette seulement de ne pas partir sur d’autres terrains, j’aimerai qu’il prenne des risques pour nous surprendre un peu. Je ne parle pas d’un changement radical, mais simplement d’une couleur musicale qui évoluerait au fil des albums qui se succèdent et se ressemblent.

Musicalement parlant cet album est dans la lignée de Charango ou Pokhara. Un tout petit peu plus rock et un peu plus étoffé que les précédents. Des chœurs très présents donnent de la profondeur et du poids et on retrouve un panel instrumental très large et varié notamment dans les percussions, des percussions toujours bien présentes pour rythmer au possible des chansons taillées pour la scène. En effet, ça donne envie de bouger et de chanter et nul doute que l’artiste donnera de sa personne pour faire vivre ces titres sur scène. La chanson qui ouvre l’album, Ma pomme, est pleine d’énergie et donne le sourire et la bougeotte dès la première écoute, on a envie d’en entendre plus.

La voix douce de Yannick met des mots pleins d’humanité sur ces mélodies entraînantes. Des thèmes forts sont à nouveau évoqués avec en point d’orgue cette envie de faire tomber les barrières entre les peuples, l’envie de faire un pas vers l’autre mais aussi le besoin d’avancer malgré les obstacles de la vie. Il y a aussi un bel hommage à un personnage historique américain, Angela Davis, militante en faveur des droits de l’Homme. Un brin utopiste, Yannick Noah nous donne envie de croire en ces textes emprunts d’espoir et de tolérance.

En cet été qui s’achève, cet album nous embarque pour un dernier petit voyage au soleil. Un bon album comme Yannick Noah a l’habitude de nous en proposer depuis des années, un album qui donne le sourire et met de bonne humeur, un album comme on en a besoin pour s’évader un peu quand la morosité nous guette ...

Mon titre coup de cœur : Hello

J’aime la rythmique de ce titre et son intro à la guitare qui a attiré mon attention. Un hymne à ces « voyageurs de terre inconnue », tout en douceur, à la fois en français et en anglais. Une belle invitation à la rencontre.

Tracklist :

1. Ma pomme
2. No one’s land

3. Angela

4. Marcher sur le fil

5. On veut plus jouer

6. Hello

7. Ca me regarde

8. La senorita

9. Se jeter à l’eau

10. Frontières

11. Dans le Rio Grande

12. Gaza Danse

13. Il est tard maintenant

14. Saigne l’eau

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album : Gérald De Palmas - "Sortir"

2010-08-23T20:32:00.005+02:00

Major : Universal music

Label : AZ

Date de sortie : novembre 2009

Ecouter "Sortir" sur Deezer

A moins de n’avoir jamais allumé votre radio ces quinze dernières années, le nom de Gérald De Palmas ne doit pas vous être inconnu. Un doute persiste ? Et si je vous chantonne « J’étais sur la route toute la sainte journée … ». Ca y’est j’ai ranimé votre mémoire ? Eh oui, L’homme sans racines s’est belle et bien enraciné au milieu des valeurs sûres de la chanson française. Cinq albums, des tubes, mais surtout un style qui lui est propre. Il suffit de quelques mesures pour reconnaître une chanson de l’artiste. C’est peut être justement ce qui a fait que le public n’a pas vraiment donné suite au succès de Marcher dans le sable. S’en est suivi une absence de près de cinq ans. Mais 2009 est l’année du renouveau pour Gérald de Palmas qui revient avec un cinquième album studio intitulé Sortir. Intégralement mixé outre-Atlantique, à New York, on sent un véritable travail pour se défaire de ce carcan qui l’étreignait. C’est toujours du De Palmas certes, mais un nouveau De Palmas.

Une fois n’est pas coutume, je vais commencer par la pochette. Je trouve qu’à elle seule elle annonce la couleur. Fini les espaces confinés, Gérald marche dans un paysage urbain, il a troqué la chemise à carreaux contre la veste en cuir, et la barbe donne une bonne dose de maturité à celui qui a cessé de Marcher dans le sable et qui préfère désormais avancer Au bord de l’eau. Gérald signe musiques et textes et on reconnaît bien ses mots, ses thèmes de prédilection et une certaine mélancolie qu’il ne peut s’empêcher de poser sur des mélodies qui cachent toujours un petit air funky, petit air qui prend d'ailleurs une ampleur démesurée sur scène.

L’amour, l’amour, sa fille, l’amour, notre existence, l’amour, l’absence, la persévérance, le secret, l’amour et enfin le besoin d’expression, autant de thèmes abordés par l’artiste. Je vous l’accorde, il y en a un qui revient un peu plus souvent que les autres. Une source d’inspiration intarissable ? Peut être. Mais pas de textes à l’eau de Rose pour autant, il le dit lui-même quand c’est lui qui écrit l’histoire, ça finit rarement bien.

Mais le souffle nouveau de cet album vient incontestablement des arrangements. Des arrangements qui donnent une dimension toute nouvelle à la musique d’un artiste qu’on pensait connaître mais qui a su nous surprendre, me surprendre. Et quelle belle surprise ! Je m’étais quelque peu lassée des ballades folk à la guitare et j’ai redécouvert cet artiste que j’avais apprécié autrefois. Des cordes, des vents, un brin d’électro, le tout autour de la formation guitare, basse, clavier, batterie traditionnelle. Une voix mystérieuse est également présente sur l’ensemble des titres, comme une sorte de fil rouge.
Une autre surprise, assez inattendue, un duo avec Eagle Eye Cherry. Pandora’s Box est un titre qui dénote un peu par rapport au reste de l’album, mais c’est une chanson que j’aime énormément. L’occasion aussi d’entendre monsieur De Palmas chanter en anglais. Gérald partage le micro et la plume avec l’interprète de Save tonight autour du thème de la boîte de Pandore. Encore plus surprenant, le sample principal est tiré d’une chanson d’un groupe malien, Tinariwen.

« Renouveau », c’est parfaitement le mot qui pourrait qualifier ce dernier album de De Palmas que je trouve vraiment excellent. Dès la première écoute je me suis laissée porter et j’ai retrouvé ce que j’aimais dans la musique de celui qui m’a fait tant vibrer avec J’en rêve encore, des mélodies de qualité, des riffs de guitare qui restent dans la tête, des textes qui me touchent, et surtout un nouveau souffle pour un nouvel album qui lui permet de repartir Sur la Route.

Espérons qu’elle soit encore longue.

Le titre phare : Au bord de l’eau

Singles issus de l’album : Au bord de l’eau, Dans une larme, Mon cœur ne bat plus

Mon titre coup de cœur : Fais de ton mieux
Pourquoi j’aime ce titre ? Pour le texte et pour un petit bout de mélodie de quelques secondes à peine. Je trouve que les quelques mesures sur « Alors comme un boxeur à genoux » sont comme un tremplin pour lancer le refrain et mettent en valeur ces mots qui illustrent parfaitement ce thème de la persévérance, la force de se relever après l’échec.

On peut parfois être touché par quelques notes, ou un simple mot. L’essentiel est d’être touché d’une manière ou d’une autre.

Tracklist :

1. Au bord de l’eau
2. Dans une larme

3. Rose
4. Mon Coeur ne bat plus
5. L’ange perdu
6. Indemne
7. Qui s’occupe d’elle
8. Fais de ton mieux
9. Pandora’s Box (Duo avec Eagle Eye Cherry)
10. Sous la pluie
11. Sortir

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un concert : 6 février 2010 - Charlie Winston (Et Newton Faulkner)

2010-08-20T16:53:00.000+02:00

Arrivée vers 16h et quelques personnes devant moi. Le temps devient de plus en plus menaçant mais par chance ça a l’air de se maintenir. Par contre le froid, lui, est toujours là. Les files se rallongent doucement, les gens arrivent surtout vers 18h. Et là pour le plus grand plaisir de ceux qui étaient là depuis plusieurs heures déjà, ils ouvrent une troisième file que les gens arrivés à l’instant vont s’empresser de rejoindre pour se retrouver au premières loges sans avoir attendu une bonne partie de l’après midi … Enfin bref, passons …

J’arrive à avoir le premier rang côté gauche, autant dire que je suis très bien placée. A 20h30 arrive sur scène un homme avec de magnifiques dreadlocks rousse, l’air assez timide. Il se présente, « Hey I’m Newton Faulkner ». Par curiosité j’avais fait un tour sur son Myspace avant de venir, j’avais assez bien accroché et j’étais plutôt curieuse d’entendre ce que ça pouvait donner en live. Eh bien c’était vraiment génial ! C’est un guitariste de talent avec des mélodies entraînantes, d’une grande simplicité et vraiment sympathique. Il nous présentera au fur et à mesure ses musiciens, en l’occurrence, ses mains, ses pieds et « la cassette » ! Il se produit seul sur scène mais on a presque l’impression qu’il est accompagné d’un band, se servant de sa guitare comme d'instrument de percussion autant qu’il en gratte les cordes. Newton nous a aussi offert une reprise acoustique du groupe Queen, Bohemian rhapsody, absolument grandiose. Il a fait chanter le Zénith de Nancy et est parti sous les acclamations. C’est une formidable découverte pour moi et si le cœur vous en dit je vous conseille vivement d’aller découvrir cet artiste, ça en vaut vraiment la peine !

Petite période d’attente histoire de nous remettre de nos émotions., et à 21h35 résonnent les premières notes de dulcimer et un pan du rideau s’ouvre sur Ben, très loin de nous malheureusement, mais bon, on ne peut pas tout avoir. Puis le rideau principal s’ouvre à son tour progressivement sur le reste de la scène et Charlie apparaît enfin avec sa fameuse guitare et c’est parti pour Generation Spent. Le public est tout de suite entraîné par l’énergie de Charlie et tape vivement dans les mains en reprenant en chœur le refrain. Puis l’homme au chapeau rejoint son piano pour lancer Tongue tied qui a un rendu bien différent sur scène par rapport à la version studio. Je suis vraiment étonnée de voir que les gens autour de moi connaissent aussi bien les paroles, c’est impressionnant. Et Charlie redescend pour reprendre sa guitare et nous chanter I’m a man nous offrant au passage une de ces folles danses qui font de lui un véritable showman.

Puis vient In your hands. Là, autant dire que le Zénith était debout, frappant aussi fort que possible dans mains, c’était la folie. Cette chanson est vraiment un gros coup de cœur et Charlie est à la hauteur de mes espérances et bien au-delà ! Le temps de reprendre nos esprits et lui son souffle, il nous explique que pour la chanson suivante il va accueillir quelqu’un de très spécial pour lui puisqu’il s’agit de sa sœur, Vashti. Tous les deux nous donnerons une belle version de Soundtrack to falling in love. Puis arrive le moment que j’attends avec impatience. Charlie s’éclipse quelques instants pour réapparaître en haut de la scène, assis à un clavier et se déplaçant d’un bout à l’autre de celle-ci en interprétant Boxes. Cette chanson est vraiment magnifique, beaucoup d’émotion pour moi à ce moment là. Il continue avec Lonesome Alchemist et vient ensuite My name pour laquelle il reprendra place au piano. Eh oui l’artiste n’arrêtera pas de parcourir la scène d’un bout à l’autre enchaînant les prestations à la guitare au piano et même à la basse sans oublier de nous offrir un moment de beatbox génial pour introduire la chanson suivante, Kick the bucket. Une fois de plus le public du Zénith est debout, tapant des mains et des pieds à la demande de Charlie et entonnant les fameux ooooooh oooooooooooh ooooooooooh sur le refrain. Inutile de préciser que le monsieur au chapeau était déchaîné une fois de plus.

Il continuera avec une reprise, Can we do it, puis viendra Every step et My life as a duck. Une fois de plus il fait chanter le public qui repredra sans cesse “I know everything about you your father was a duck” en balançant les bras. La suite montre vraiment à quel point monsieur Charlie et son équipe sont complètement fous. Charlie commence à chanter I love your smile puis il reprend le refrain de In your hands et très vite toute son équipe arrive sur scène et s’installe autour d’une table avec bières et cigarettes et commence à danser. Les musiciens sont présents mais aussi les techniciens et Newton est lui aussi revenu. Le morceau sera quasi interminable, des tambours arrivent de toutes parts et tout le monde danse sur scène, le rythme s’accélére progressivement. Ben prend la place de Charlie au piano, les techniciens s’emparent des tambours et Charlie de la basse de Daniel tandis que Medi tape comme un fou sur sa batterie. C’est la folie sur scène mais aussi dans le public. Puis tout le monde se retrouve dans un final très rock and roll. La scène se vide, ne restent plus que Charlie et ses musiciens qui nous saluent et partent eux aussi.

Mais monsieur Winston ne peut pas quitter la salle sans chanter LA chanson. Et sous un rappel à faire exploser le Zénith il revient sur le devant de la scène avec sa guitare et se met à siffler avant d’entamer la désormais plus que célèbre Like a hobo. Je pense qu’il est inutile que je précise que le public reprenait en chœur les paroles de la chanson et tout le monde sautait sur le refrain. Il nous fera ensuite le plaisir de chanter Allo allo, je pense qu’il a dû voir la pancarte que les filles qui se trouvaient devant moi dans la file d’attente avaient préparé.

Enfin, le show se termine sur Calling me. A la demande de Charlie tous les appareils photos, portables et autres caméras sont rangés et il s’installe dans le Zénith encore bouillonnant quelques minutes auparavant, un silence impressionnant. Nous sommes tous plongés dans les yeux de l’artiste seul sur scène, visiblement assez ému, qui nous aura fait vivre plus de deux heures de concert inoubliables.

Au cours de celui-ci, il n’aura pas manqué de nous présenter l’intégralité de ses musiciens, aura tenté tant bien que mal de parler français, aura plaisanté en nous disant qu’il était de bonne humeur parce qu’avant de rentrer sur scène il a écouté du Ela Fitzgerald mais par-dessus tout il nous aura permis de vivre un grand moment de live. Charlie Winston est un artiste incroyable, c’est un grand musicien, un showman exceptionnel et un homme avec une philosophie de vie remarquable. Sur scène il se donne à fond pour son public et nous entraîne avec lui dans sa folie pour nous faire tout oublier le temps d’un concert.

Nous ressortons de la salle et filons au marchandising acheter l’album de Newton Faulkner comme beaucoup d’autres. Le pauvre est pris d’assaut pour signer des autographes, mais il les signera tous avec un grand sourire. Puis tout à coup les musiciens de Charlie surgissent de nulle part suivis du monsieur au chapeau. Il vient de nous offrir plus de deux heures de concert sans s’arrêter une seconde et nous fait encore le bonheur de venir signer des autographes pendant un long moment.

Merci Charlie Winston.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Une chanson, un clip : Superbus – "Mes Défauts"

2010-08-19T19:08:00.000+02:00

Depuis bientôt dix ans maintenant, Superbus, le groupe emmené par Jennifer Ayache est régulièrement présent sur le devant de la scène musicale pop. Entre l’incontournable Butterfly, ou encore Lola, nombreux sont les titres du groupe qui ont envahit les ondes ces dernières années. A la rentrée, Superbus revient avec un best of dix-sept titres intitulé Happy-Bus Day. On y retrouvera la majeure partie des singles du groupe ainsi que Keyhole issu du dernier album, Lova Lova, et quatre inédits et parmi ces inédits, Mes Défauts. Le best of comprendra aussi un DVD retraçant la carrière du groupe.

Une chanson : Mes Défauts

Paroles : Jennifer Ayache
Musique : Jennifer Ayache

« J’ai pas le temps … », combien de fois avons-nous pu prononcer ces quelques mots pour nous débarrasser de quelqu’un ? Certains n’hésitent pas à les employer à tout bout de champ et à se fabriquer un emploi du temps de ministre par la même occasion. Dans cette chanson Jennifer se définit comme légèrement mythomane et mégalomane, rien que ça. Elle n’a le temps de rien, complètement surbookée, enfin, ça dépend pour quoi ... Des couplets façon discussion entre amis et un refrain tel une déclaration, un aveu, une révélation.

Côté musique une mélodie bien sympa et qui reste dans la tête pendant des heures. Des couplets montés sur un même modèle et tout tourne en boucle tant au niveau du texte que de la mélodie autour du fameux refrain qui ne vous quittera plus de la journée.

On retrouve toujours le style de Superbus, c’est rythmé et pop à souhait, mais l’ensemble est moins électronique que ce qu’on a pu entendre sur le dernier album. On retrouve un peu l’esprit de Wow, plus brut.

Le clip

Superbus - Mes défauts
envoyé par Superbus. - Regardez plus de clips, en HD !

Production : Universal Music/ Polydor

Réalisation : Mark Maggiori

C’est Mark Maggiori qui réalise ce clip très années 50. Deux projets d’affilée avec le groupe puisque c’est lui qui a également réalisé le clip de Apprends-moi. Mais il a aussi travaillé récemment avec Charlie Winston ou encore Gaëtan Roussel.

Je ne dirais pas qu’il s’agit d’un clip novateur puisqu’en ce moment la mode est au rétro, mais il colle bien au personnage de Jennifer Ayache. On retrouve le même principe que dans la grande majorité des clips de Superbus, c’est-à-dire une séquence pour mettre en scène la chanson, puis une nouvelle au cours de laquelle on voit le groupe jouer dans un décor fixe. Ici, la scène se passe dans un bistro où Jennifer s’affaire puis on retrouve le groupe dans deux décors différents mais toujours avec ce même thème, les années 50. On peut aussi voir les garçons jouer un petit rôle de temps à autres aux côtés de Jennifer.
Ce que j’aime dans ce clip c’est le travail réalisé au niveau des décors, des costumes et de l’image ainsi que la cohérence avec l’univers de Jennifer Ayache. On voit également que le groupe a l’air de s’amuser et le résultat est visuellement intéressant et est en totale harmonie avec la chanson.

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album : Da Silva – "La tendresse des fous"

2010-08-18T20:16:00.000+02:00

Major : -

Label : Tôt ou tard

Date de sortie : septembre 2009

Ecouter "La tendresse des fous" sur Deezer

Emmanuel Da Silva revient en 2009 avec un nouvel album intitulé La tendresse des fous. Un album résolument intimiste, des textes toujours mis en avant par cette voix au timbre si particulier et des mélodies qui oscillent entre mélancolie, nostalgie et légèreté.

Dès le premier titre on prend La Route avec Da Silva pour un voyage à travers des paysages changeants au son d’une guitare folk omniprésente, mais aussi de claviers, de cuivres, de cordes et de percussions donnant une empreinte et une couleur particulière à chaque titre.

Des textes toujours d’une poésie innocente, des mots simples et des images pour illustrer des thèmes tels que l’amour, la peine, le doute ou encore l’absence avec le très beau titre Les Inséparables.

En écoutant cet album, je marche aux côtés de Da Silva sur une route, une longue route, au gré des saisons qui défilent, des couleurs et des lumières qui changent. Je ne sais pas où il m’emmène, mais je me laisse guider. Nous prenons La Route par une belle journée de printemps ensoleillée. Mais le vent se lève soudain et emporte avec lui Les plus Belles Lettres, souvenirs évanouis d’une époque qui n’est plus. Une page se tourne et Les Inséparables avancent maintenant l’un contre l’autre dans des ruelles pavées et humides, la pluie tombe et leur attachement n’en est que plus fort. Puis l’artiste m’emmène ensuite dans Un Endroit connu et rassurant, et le temps s’éclaircit enfin ainsi que nos pensées qui deviennent plus légères. Nos noires idées s’envolent. Retour des beaux jours pour se lancer à corps perdu dans Le Carnaval. On lâche prise, on se laisse simplement guider par la musique. Mais les beaux jours ont leurs orages, et la pluie battante nous fait regagner La Chambre et par une porte entrebâillée nous fait voir ce couple qui doute. Nous les observons en silence mais par la fenêtre le soleil revient bien vite briller sur les amours tendres des fous. Les paysages défilent ensuite, tout s’accélère, et nous avançons à toute allure sur une route à travers Les Plaines, vite avant que ne vienne Le jour de la défaite. Cette route nous mène au bord d’une rivière au milieu d’une forêt, nous la traversons en sautant de rocher en rocher, tels des pierres en Ricochets, nous risquons la chute à tout moment, mais c'est la vie. Nous marchons sur un fil, nous tombons pour ensuite nous relever et avancer. Puis nous terminons notre voyage musical par une chaude journée d’été sous un soleil lourd et couchant, c’est l’heure de La moisson …

Cet album est pour moi un vrai coup de cœur musical. Je suis sensible à la poésie des textes de Da Silva, à ces mélodies emplies d’émotion qui peuvent dessiner un sourire sur mon visage et l’instant d’après me donner des frissons. La voix douce et si particulière d’Emmanuel ne peut qu’inviter celui qui l’écoute à lui prêter une attention sans bornes.

Un album tout en délicatesse.

Le titre phare : Le Carnaval

Singles issus de l’album : Le Carnaval, Les plus belles lettres

Mon titre coup de cœur : La Chambre

Un texte magnifique sur un couple qui doute et qui savait dès le commencement que ça n’irait pas plus loin. La pureté d’un simple guitare/voix puis les cordes qui donnent une dimension mélancolique à cette chanson. Je retiens cette phrase, magnifique, « On savait déjà que l’on s’aimait trop, pour un jour s’aimer bien … ».

Tracklist :

1. La Route

2. Les plus belles Lettres

3. Les Inséparables

4. Un Endroit

5. Le Carnaval

6. La Chambre

7. La tendresse des Fous

8. Les Plaines

9. Le Jour de la Défaite

10. Les Ricochets

11. La Moisson

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album : Soma - "Jewel and the Orchestra"

2010-08-16T18:36:00.001+02:00

Major : Sony Music

Label : Jive Epic

Date de sortie : mars 2010

Ecouter "Jewel and the Orchestra" sur Deezer

Première écoute. Un groupe de rock anglais ? Eh bien non. Ils sont quatre et ils sont français. Lionnel Buzac au chant et à la guitare, Thomas Bitoun aux percus, Sébastien Claret à la guitare et Thomas Fenouil à la basse. Jewel and the Orchestra est le deuxième album de Soma, un album rock, un très bon album rock. Créant le buzz sur la toile en jouant le tableau de la provocation (un clip violent et censuré pour Get Down (mais cependant très bien réalisé façon Tarantino), des incursions sauvages dans les radios et les magasins de musique …) ils se sont rapidement fait connaître et si leur nom ne vous dit rien, je vous conseille de cliquer un peu plus haut et de monter le son ...

Ca faisait un petit moment que je n’avais plus acheté d’album rock, mais quand j’ai entendu Get Down pour la première fois j’ai adoré et Jewel and the Orchestra a rapidement rejoint ma discothèque. Le groupe a su s’entourer, ainsi c’est Dave Sardy connu pour avoir collaboré avec Rage Against the Machine, Oasis, Robert Francis ou encore The Ting Tings qui mixe ce premier album. Des titres rock et des ballades en anglais hormis un titre, James Dean, en français. Côté ballades justement, il y en a une qui a su attirer mon attention, The Other Side. On reprend son souffle quelques minutes avec ce titre à mi-chemin entre We might as well be strangers de Keane et Goodnight Goodnight de Maroon 5 et on se laisse juste porter par la voix de Lionel. Si Soma veut se donner un style trash, leur musique ne l’est pas. C’est mélodique et rythmé, varié et musicalement intéressant. Certain titres sont dignes de grands groupes de rock anglais, notamment l’excellent The Backyard. On alterne guitares agressives (mais pas trop) et claviers et le tout donne un album rock propre et efficace.

Amatrice de rock d’influence anglo-saxonne, j’ai retrouvé dans l’album de Soma ce qui me fait aimer des groupes tels que Muse ou Franz Ferdinand. Certes, on ne boxe pas encore dans la même catégorie, mais les bases sont posées et je pense que le groupe a le potentiel pour aller plus loin. J’aimerai aussi beaucoup voir comment tout cela sonne sur scène. J’espère que je ne serai pas déçue si l’occasion se présente d’aller les applaudir en live.

Le titre phare : Get Down

Singles issus de l’album : Get Down

Mon titre coup de cœur : Get Down

Le titre qui ouvre l’album et qui en donne le ton, c’est aussi celui qui m’a fait connaître le groupe. Taillé pour sortir en single, il allie énergie, guitares sonnantes et trébuchantes, et percussions percutantes, le tout avec une incroyable efficacité.

Tracklist :

1. Get Down

2. The Backyard

3. Funeral Party

4. The Other Side

5. Electric City

6. James Dean

7. Jewel and the Orchestra

8. Frisco

9. So Fine

10. 20 Minutes

11. Vanity

Et poum tchak … dans mon flycase !

Une chanson, un clip : Mika – "Rain"

2010-08-15T14:58:00.001+02:00

Mika, le phénomène pop de ces dernières années, a conquis une bonne partie de la planète avec son univers coloré et déjanté, et ses deux albums dont la plupart des titres sont de véritables tubes à l’instar de Lollipop, Relax, take it easy et plus récemment Rain.

Un artiste que j’affectionne tout particulièrement pour son univers enfantin, son air décalé, l’énergie qu’il sait donner à chacun de ses titres et surtout pour sa voix incroyable.

Une chanson : Rain

Paroles : Mika/Jodi Marr

Musique : Mika

Rain est peut-être mon titre préféré de Mika. Pourquoi ? Parce qu’il a un petit côté mystérieux, parce que j’aime sa mélodie très électro-pop (genre auquel je n’adhère pas beaucoup d’habitude) et parce qu’elle met en valeur l’étendue de la voix du jeune artiste.

Dans ce titre, Mika s’adresse à une personne qui a fait partie de sa vie. Mais cette dernière l’a rendu prisonnier, l’empêchait de s’exprimer et voulait en faire l’homme qu’elle s’était imaginée. Il était piégé, ne pouvait pas revenir en arrière, dire ce qu’il avait sur le cœur. Mais il a retrouvé ses esprits et a décidé de s’en aller.

Côté musique, tous les éléments d’une chanson électro-pop sont réunis. Les claviers donnent un peu de mystère aux couplets, puis sur les refrains les percussions redonnent du souffle, une sorte de montée en puissance soudaine. Un pont très électronique introduit un dernier refrain pour terminer dans l’énergie.

Le clip

Production : Universal Music/ Casablanca

Réalisation : Jonas Akerlung

Le réalisateur Jonas Akerlung est connu pour avoir réalisé des clips pour entre autres Madonna, U2, The Cardigans, Moby, Robbie Williams, James Blunt ou encore Maroon 5. Après We are Golden, il réalise le clip de Rain pour Mika. On reconnait le style du suédois, un clip assez sombre, des touches de couleur vives (la tente, les personnages, le feu d’artifices), des flash lumineux (à travers les arbres, par le biais des miroirs) et un effet de vitesse par la course finale de Mika à travers forêt et champs (si vous voulez de la vitesse, je vous conseil Ray of Light de Madonna du même réalisateur). Pour ce qui est de la couleur, c’était quasi inévitable quand on connaît l’univers de Mika. On se trouve comme plongé dans un rêve d’enfant, perdu au milieu d’une forêt peuplée de créatures étranges, comme les gardiens des lieux qui nous poursuivent dans une dernière course effrénée avant de nous réveiller.

Il y avait de nombreuses manières d’illustrer cette chanson et j’aime l’originalité du clip qui a évité la simple pluie qui tombe pour nous offrir un véritable petit film dont Mika est le personnage principal.

On sent que l'artiste prend de l’assurance et on note une véritable évolution visuelle entre les clips du premier et du deuxième album. Il se met d’avantage en scène et nous offre des clips artistiquement intéressants qui mettent en valeur sa musique.

Pour moi, le meilleur clip de Mika.

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album, un showcase : Siméo - "Sous un ciel trois étoiles"

2010-08-14T15:58:00.000+02:00

Un album : Siméo - Sous un ciel trois étoiles

Major : Warner/Chapell Music

Label : Bouh !

Date de sortie : novembre 2009

Ecouter "Sous un ciel trois étoiles" sur Deezer

Troisième album du lyonnais et virage musical à 180 degrés. C’est incroyable de voir cette espèce de gouffre entre les deux premiers albums et le « petit » dernier. On peut observer ce changement jusque dans la voix de Siméo qui s’éclaircit. Personnellement je n’accroche absolument pas aux deux précédents albums mais Sous un ciel trois étoiles se détache et me plaît beaucoup.

Siméo signe musique et textes et ces derniers sont intéressants. Un titre pour mettre en évidence la plume de Siméo ? Non plutôt deux, Les timides et l’excellent Mademoiselle. Siméo le dit lui-même, il est du genre timide et quand on écoute les paroles du titre en question on se rend compte que ce n’est pas du bluff, on se demande où il va chercher ces détails que tous les timides connaissent bien. Mais le le texte que j’aime le plus est celui de Mademoiselle, dans lequel il raconte les déboires d’une jeune femme qui claque la porte de chez elle et qui rêve de gloire avant de se confronter à la dure réalité de sa petite existence. Des mots simples pour parler de choses de la vie et en particulier d’amour, mais toujours avec une dose d’humour et de façon imagée.

Côté musique, il y a toujours un fond de reggae dans les chansons de Siméo, un petit quelque chose qui donne envie de bouger. Des mélodies variées et pop, un album qui réveille les humeurs moroses. Le « nouveau » timbre de Siméo passe bien et je le laisserai bien me raconter d’autres histoires. Une formation pop qu’on pourrait qualifier de classique, guitare, basse, batterie, clavier et quelques cuivres. Rien de transcendant, tout en simplicité et c’est très bien comme ça. Un bon album est avant tout un album qui nous touche d’une manière ou d’une autre qu’il joue sur l’authenticité ou l’élaboration.

Pas vraiment du genre médiatique mais qui mériterait de l’être, Siméo m’a séduite avec ce dernier album. Peut être pas l’incontournable de ma discothèque, mais une belle petite découverte que j’écoute et réécoute sans zapper un seul titre, du début jusqu’à la fin et avec grand plaisir. Un nouvel album est en préparation et j’espère qu’il continuera sur la lancée de Sous un ciel trois étoiles.

Le titre phare : Je mens

Singles issus de l’album : Je mens

Mon titre coup de cœur : Les timides

Dur de choisir mon titre préféré, il y en a que j’aime par le texte, d’autres par la musique. Mais Les timides mêle mélodie qui reste dans la tête et texte au plus près de situations que j’ai pu connaître il n’y a pas si longtemps et dans lesquelles vous vous reconnaîtrez sûrement.

Tracklist :

1. Je mens

2. C’est la vie

3. Mademoiselle

4. Lasse

5. Ma vue

6. Les timides

7. Cowboy

8. Petite conne

9. Cherche

10. Sarah

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un showcase : Siméo en showcase à la Fnac de Nancy le 20 mars 2010

Nouveau showcase à la Fnac de Nancy. Après Starboard Silent Side (Album et résumé du showcase à suivre dans un prochain article) je me suis dit que ça serait bien d’aller découvrir un autre artiste et mon choix s’est porté sur Siméo. J’avais vu les grandes affiches tous les jours depuis le début du mois et j’avais pris le temps d’aller découvrir son univers sur la toile. Ayant beaucoup aimé son dernier album, j'étais curieuse de voir ce que ça pouvait donner en live.

J’arrive un peu en avance et je file acheter l’album que j’avais jusqu’à présent écouté sur Deezer. Je prends l’escalator et arrivée en haut je vois une silhouette familière au comptoir d’accueil avec une guitare vissée sur le dos. Eh oui c’est bien Siméo qui vient s’annoncer. Petit sourire de circonstance et une fois l’album acheté je redescends et attends devant le forum qu’il termine ses balances. Je l’observe à travers les vitres en compagnie d’une poignée de personnes, des curieux ou des fans, je ne sais pas. Il ressort quelques instants, prendre l'air "frais"et nous prenons place dans la toute petite salle. Nous sommes une fois de plus peu nombreux mais qu’importe ça n’offrira que plus de proximité avec l’artiste. Je reprends la même place que la dernière fois, on ne change pas les bonnes habitudes, d’autant qu’il est droitier et que je peux ainsi parfaitement voir sa guitare. Il est seul avec sa demoiselle cordée et s’installe au milieu de l’estrade.

Il chantera entre autres Mademoiselle, C’est la vie et Cowboy il me semble. Puis il enchaînera avec Les Timides. Pour introduire celle-ci il nous dira qu’il est lui aussi un grand timide et qu’il est très intimidé de chanter devant nous avec une telle proximité. Il nous racontera aussi une petite anecdote. Il nous explique qu’en ce moment il fait énormément de Showcases et que toutes les Fnac ne possèdent pas de forum. Il s’est donc retrouvé à jouer il y a peu de temps au beau milieu des rayonnages. On l’avait installé ainsi au milieu de la Fnac et il n’avait pas vraiment prêté attention à ce qui l’entourait. Il commence son set et voit se former autour de lui un petit groupe de filles de douze ans qui le regarde attentivement. « Génial, je fais chanteur pour minettes … ». Il continue et comme à son habitude il ferme les yeux et à chaque fois que ses paupières se referment l’une des filles passe derrière lui puis repart rapidement. Il se retourne. « En fait ils m’avaient placé devant un présentoir de figurines de Robert Pattinson, et à chaque fois que je fermais les yeux, une des filles passait derrière moi, prenait une figurine et se barrait en courant ». Grand moment de solitude, on peut comprendre.

Les titres sont très sympas en acoustique, il leur donne une petite touche reggae et ça rend l’atmosphère très détendue. Cette version guitare-voix rend ce concert encore plus intimiste qu’il ne l’est déjà. Il fait durer chaque titre avec des petites impros. Je l’écoute avec attention. Il garde effectivement les yeux fermés sur une bonne partie de chaque chanson et paraît vraiment réservé lorsqu’il échange quelques mots avec nous entre chaque titre. Il nous livrera une autre anecdote au sujet des thèmes de ses chansons. « J’ai sorti deux albums avant celui là, donc à peu près quarante chansons. Il y en a trente-huit qui parlent d’amour et trente-sept de la même personne. (Silence) Ben oui, elle est quand même partie avec mon frère ». Rires un peu gênés du public, on ne sait pas trop s’il s’agit d’un cri du cœur ou d’une anecdote inventée. Il nous avouera aussi qu’il est très fatigué et que c’est pour ça qu’il ne joue que des chansons lentes aujourd’hui. La veille il était en concert dans un bar à Metz et il s’est couché très tard. Il jouera, en tout, environ six à sept titres buvant une gorgée d’eau entre chaque chanson. Puis arrive la fin de la bouteille, « Ca ça veut dire que c’est ma dernière chanson ». Dommage, je trouvais ça vraiment bien. Il termine avec Je mens. Je connais les paroles par cœur et j’aime beaucoup ce titre qui ouvre l’album. Il a une voix très douce et donne beaucoup de rythme à ses chansons. Cette session est passée très vite, c’est donc que j’ai apprécié. Il sera bien applaudi et nous remerciera chaleureusement.

La salle se vide petit à petit et je m’approche de Siméo. Je lui dis que j’ai beaucoup aimé son album (les traditionnelles banalités d'usage ...) et je lui demande une dédicace. Mais spontanément c’est le vouvoiement qui a pris le dessus. Il me remercie et me dit. « Comment tu t’appelles ? Tu vas me tutoyer, parce que sinon ça va pas aller ! ». Bien compris, pas de problème. Il me signe l’album et me remercie pour ma gentillesse.

Un bon showcase et une belle découverte, encore. Un artiste que je vais suivre de près parce que je pense qu’il en vaut la peine. Au prochain concert j’emporte une grande bouteille d’eau comme ça pas d'excuse, le set durera plus longtemps.

Et poum tchak ... dans mon flycase !

Une chanson, un clip : Mickaël Miro – L’horloge tourne

2010-08-13T10:41:00.000+02:00

Mickaël Miro est une de mes belles découvertes de cette année 2010. Auteur compositeur interprète, je l’ai découvert en première partie de Calogero il y a quelques semaines et ça a été un véritable coup de cœur musical. Un style pop qui sonne bien, des mélodies entraînantes et des textes bien écrits et qui me parlent. Tous les ingrédients sont réunis pour que le futur album aille tout droit dans mon flycase …

Une chanson : L’horloge tourne

Paroles et musique : Mickaël Miro

Cette chanson est le premier single d’un album a paraître prochainement et dont je parlerai dès sa sortie cela ne fait aucun doute. L’horloge tourne est une chanson qui parle du temps qui passe, ce temps qu’on voudrait tour à tour accélérer, remonter ou arrêter. Miro vit au rythme de ces SMS qu’on conserve précieusement et qu’on relit de temps à autres pour se rappeler certains moments clés de notre vie, résumés en quelques lignes. Des couplets courts construits sur un même modèle, qui se succèdent au fil des années qui défilent, le tout sur une mélodie qui tourne en boucle au rythme de la guitare folk de Mickaël. Une sorte de ritournelle sans fin autour d' un refrain imparable qui a fait chanter un Zénith entier. A mon avis le fameux Dam dam déo va suivre le jeune artiste très longtemps.

Le clip

Production : Satellite My Love

Réalisation : Fabien Dufils

Je trouve l’idée de l’abribus témoin du temps qui passe excellente. Chaque personnage qui défile y accroche un souvenir, une photo qui immortalise l’instant présent et Miro reçoit ses messages au gré des saisons qui se succèdent. Dommage par contre qu’on n’ait pas gardé le concept des SMS. Certes, les lettres c’est plus poétique, mais à l’ère du tout électronique, il aurait été intéressant de conserver l’idée de départ qui faisait l’originalité de cette chanson. J’avoue que je ne comprends pas ce choix.

Mais cela n’enlève rien à la beauté du clip. La douceur des images, des couleurs et des lumières lui donne beaucoup de charme et l'enchaînement rapide des scènes permet de conserver le rythme initial de la chanson. Bien sûr, il n’est pas nécessaire que l’artiste apparaisse dans le clip pour que ce dernier soit réussi, mais lorsqu’on apprécie autant l’artiste que sa musique, c’est toujours agréable de le voir y faire une apparition d’autant plus qu’il s’agit ici de son premier single. J'apprécie donc le fait de retrouver Mickaël Miro et sa guitare comme conteur de sa propre vie qui pourrait être la notre.

En résumé, un beau clip pour une belle chanson.

Si le cœur vous en dit vous pouvez vous aussi accrocher un souvenir sur l’abribus de Miro en vous connectant sur le site officiel : http://mickaelmiro.artiste.universalmusic.fr/

Et poum tchak … dans mon flycase !

Nouveau ! Un album : Siobhan Wilson – Songs

2010-08-12T11:38:00.000+02:00

Major : My Major Company

Label : -

Date de sortie : 20 juillet 2010

Ecouter "Songs" sur Deezer

J’ai écouté pour vous le premier album de Siobhan (prononcer Shivone) Wilson, Songs. Cet album a été produit par les internautes via la plateforme My Major Company, la même qui avait contribué au succès de Grégoire et son fameux Toi+Moi ou encore Joyce Jonathan.

Si je ne devais utiliser qu’un seul mot pour qualifier cet album, je dirais « douceur ». Songs est tout en légèreté et ça commence par la voix de la jeune écossaise. Une voix douce qui pourrait rappeler celle de Yaël Naïm ou de Dido par moment. Des chansons aux mélodies simples et touchantes, une atmosphère presque féérique. Guitare, clavier, cordes (violon, violoncelle …), harpe, quelques touches de percussion pour relever un peu tout ça. Un panel instrumental assez varié mais les arrangements sont bons et le tout est bien équilibré et intéressant à l’oreille. Le son de la harpe d’entrée de jeu laisse la couleur de l’album se préciser. Un album pop/folk aérien et qui sort un peu des sentiers battus. On a l’impression que la jeune artiste nous murmure de belles histoires, le tout sur de belles mélodies qui donnent le sourire.

Au milieu de ces chansons en anglais se glisse un titre en français, et non des moindres puisqu’il s’agit d’une reprise de Jacques Brel, Voir un ami pleurer. Pour l’occasion je suis allée réécouter l’original histoire de faire la comparaison. S’attaquer aux monuments de la chanson française n’est jamais chose aisée mais je trouve que la reprise est plutôt intéressante et réussie. On passe d’un accompagnement piano à un accompagnement guitare, mais une nouvelle fois la jolie voix de Siobhan fait son effet, et quand l’accent anglais vient ajouter une touche très glamour à l’ensemble on ne peut qu’être séduit.

Songs est un bon album de pop/folk qui s’écoute facilement. J’ai toujours du mal à me laisser porter par les voix féminines habituellement, les voix masculines me touchent d’avantage. Mais j’avoue que la voix douce de Siobhan a eu le mérite d’attirer mon attention dès la première chanson. On a envie d’écouter les histoires qu’elle nous raconte. Certes les titres sont en anglais, mais peu importe, on se laisse facilement porter.

Une découverte intéressante

Mon titre coup de cœur : Getting me down.

Ce titre dénote un peu par rapport au reste de l’album, il a un peu plus de rythme et pourrait rappeler un peu le style de Micky Green. Des percussions plus marquées pour un style plus urbain. Je trouve que ce genre un peu plus groovy lui va bien.

Tracklist :

1. Window Song
2. Getting me down
3. Song for Anthony
4. Voir un ami pleurer
5. Song for Lisa
6. Protective sheep
7. Strangest places
8. Lullaby for a lion
9. Song for Louis
10. Bat in the garden
11. Like a wall
12. Mother’s eyes

Et poum tchak … dans mon flycase !

Un album : Yodelice – Tree of Life

2010-08-11T21:44:00.000+02:00

Major : Universal

Label : Mercury

Date de sortie : Mai 2009

Ecouter "Tree of Life" sur Deezer

Tree of Life est le premier album de Yodelice, récompensé par une Victoire de la Musique en 2010 dans la catégorie « Album révélation de l’année ». Cet album est pour moi un véritable petit bijou. Si le nom de la formation ne vous dit rien, vous n’avez pas pu passer à côté du très radiophonique Sunday with a flu qui a littéralement inondé les ondes au printemps 2009.

Maxim Nucci incarne ce personnage de clown mélancolique du nom de Yodelice. Je reparlerai du groupe dans un prochain article.

Revenons à l’album …Ce que j’aime dans Tree of Life, c’est l’atmosphère dans laquelle on est plongé dès les premiers accords de guitare. Je m’imagine au crépuscule d’une nuit d’été dans une contrée lointaine et mystérieuse et je me laisse porter par la musique. Guitare, percussions, quelques cuivres et quelques claviers, mais surtout le violoncelle de Sébastien Grandgambe qui donne toute son intensité à des titres tels que Insanity, The other side ou encore Noise. Je me laisse envoûter par les mélodies enivrantes, Yodelice m’emmène avec lui et je ne veux plus revenir. Les titres s’enchaînent, les atmosphères se succèdent et de nouveaux paysages se dessinent pour poursuivre ce voyage musical.

Le timbre de Maxim Nucci est agréable et si certains titres appellent à la mélancolie, d’autres me font taper du pied par leur rythme et leur mélodie imparables. Une piste additionnelle au piano clôture cet album sur un ton nostalgique.

Cet album se veut différent des albums pop/folk classiques, on sent une véritable recherche de l’authentique, pas d’arrangements superflus, le style laisse place à l’imaginaire et permet un certain retour aux source pour Maxim Nucci. Le titre phare de l’album, Sunday with a flu est pour moi le moins représentatif de l’ensemble des titres qui le composent, mais il a l’avantage de passer particulièrement bien en radio et a donc permis au groupe de se faire connaître.

Je vous conseille d’écouter Tree of Life au calme, en fin de journée, et de vous laisser simplement porter par la musique …

Le titre phare : Sunday with a flu

Singles issus de l’album : Sunday with a flu, Free

Mon titre coup de cœur : Insanity

Ce titre ouvre l’album, il donne en quelque sorte le ton. Un simple guitare/voix sur une bonne partie du morceau, puis le violoncelle entre en piste et là tout s’accélère, c’est le moment où Yodelice m’emporte avec lui loin, très loin …

Tracklist :

1. Insanity
2. Sunday with a flu
3. Free
4. Alone
5. The other side
6. Cloud nine
7. Emergency
8. Noise
9. Safe and scared
10. Shadow boxing
11. Piste fantôme : Tree of life

Et poum tchak … dans mon flycase !